WAREHOUSE OF ROCK

I left you on the debris, at the Sunday morning market

2011-12-10T15:27:00.000+01:00

Me lo encontré en youtube, y me ha dado tan buenisimo rollo que no he podido evitar postearlo.

Cheers everybody, I love you!

Spanish High Voltage Pt. 4

2011-12-03T07:53:00.001+01:00

Siniestro Total – "¿Cuando se come aquí?"

¿En qué categoría los metemos, señoritas? Mira que es difícil hacer este tipo de temas “buenhumorados” con esta clase, lo más fácil del mundo es hipersaturar un ampli, bajar un tono la cuerda Mi grave y empezar a sacudir riffs a contratiempo y a gritar consignas de sangre y violencia. Ahora, ponte a hacer una canción sobre chochos que vuelan, jugadores de Palé a los que le huelen los pies, asesinatos sarcásticos de hippies, cobradores a domicilio un tanto especiales… Por dónde empieza uno? No hay más respuesta que esta: se tiene que estar dotado para hacerlo, para no caer en la autoparodia y en el baratismo. Y mucha inteligencia y autoconfianza. Este disco es la mejor muestra de los primeros años de la banda, donde literalmente van a su puta bola, por libre y sin complejos, las ideas por encima de los medios y las ganas por encima de cualquier incipiente destreza musical. A día de hoy me sigue fascinando este disco, toda esa locura e irreverencia, la máxima incorrección política (podéis encontrar al menos una frase susceptible de molestar a uno o varios colectivos en cada canción) y la maravillosa lucidez casi británica del combo… no tienen precio. Qué menos que rendirles esta especie de tributo por lo estupendamente bien que me lo han hecho pasar durante largos años, a mí y a generaciones enteras. Atención también a la evolución como músicos de la banda, los tíos son realmente buenos encima de un escenario, pero frescos y nada académicos. Demostraron hace tiempo no ser una simple broma, y de hecho son uno de los grupos de más largo recorrido de la escena española (llevan el showbussiness en la sangre). En su haber un gran puñado de enormes canciones, como ese monumento llamado “Bailaré sobre tu tumba”, enormes shows y una todavía más enorme profesionalidad, con todas las malditas letras. Imposible no acordarse, al menos, del entrañable spin-off que protagonizó Miguel Costas con sus Aerolineas Federales, que probablemente hubieran merecido un hueco en esta sección, o no?.

Burning – "El final de la década"

Supongo que a día de hoy, es una banda “rehabilitada y patrimonial”, pero lo cierto es que parte de sus años musicalmente más gloriosos transcurrieron ante la indiferencia de gran parte del público y de los medios, quizás los madrileños eran demasiado reales para un mundo que quería vivir en colores y a la última, disfrutar la efervescencia de los cambios y quemar etapas a la máxima velocidad posible. Se puede entender que en su momento hubiera gente que no pudiera o no sintiera la necesidad de calibrar en toda su grandeza a esta banda, pero no deja de ser injusto. Aunque a mí todavía me fastidia más que esas canciones no encontraran la producción que hubieran merecido (posiblemente una constante en gran parte de la historia del rock español). Aun cuando despiden todavía un aroma genuino y especial, no puedo dejar pasar la grandeza de gran parte de la producción de la banda del malogrado Pepe Risi, porque esas canciones eran tan buenas que hubieran admitido gran cantidad de detalles y arreglos, y los músicos lo suficientemente hábiles y dotados de imaginación para haber brillado con más fuerza. Quizás en aquellos años no se podía ser más… ¿ambicioso? en un estudio de grabación, donde el dia antes que tu había grabado un single una joven Isabel Pantoja y nadie se había molestado mucho en retocar los controles (anécdota verídica!). De cualquier manera, los Burning son un legado de valor incalculable para el rock en castellano, su inimitable poesía callejera, su visión de un particular Madrid y su sonido ciertamente personal, enfrentado conscientemente a (casi) todo lo demás del panorama, son un verdadero ejemplo de actitud y compromiso. Queda el consuelo de que finalmente han recibido un reconocimiento parroquial, y disfrutan del respeto de los más aguerridos rockeros. Pero lo grande de verdad son esas canciones, y no quiero acabar la entrada lamentando sino celebrando a los Burning, da igual el álbum, desde la tremendísima “¿Qué hace una chica como tú en un lugar como éste?” que joder que buena es, hasta cualquier otra que tengáis en mente ahora mismo y que no hace falta citar.

Los Flechazos – "Días Grises E.P."

Los reverencio. Más allá de que me sedujeran como grupo mod de ensueño que fueron, más allá de todo el pundonor y esfuerzo que atesora la banda, encontramos un extraordinario compositor entre sus filas, un perfecto escritor de CANCIONES de nombre Alejandro Díez, impecable mod leonés honesto y comprometido, que tuvo la mejor de las motivaciones para crear una banda como Los Flechazos: hacer la música que quería escuchar como fan, esencial y sin concesiones. Lamentablemente son bastante desconocidos fuera del ámbito digamos sixtie, pero si te gusta el power-pop, el beat o el garage hay que estar muy ciego para no reconocer como verdaderos diamantes algún tema de su debut, los highlights de su segundo L.P. y primera obra maestra ("En el Club", o las emocionantes "Quiero regresar" y "La chica de Mel"), sino también el grueso de su obra posterior, con piezas de alta cocina del calibre de "Lo conseguí", "Suzette", "A toda velocidad".. hasta llegar a esta joya resplandeciente, el E.P. "Dias grises"... una cumbre, un hito, un completo éxito. La banda se mostraba ya con todos los trucos aprendidos, un sonido igual de fresco que siempre, pero más certero y concentrado. No estoy diciendo que sea su mejor trabajo, porque no podría decantarme por uno solo, pero desde luego me ha alegrado la tarde del viernes sobremanera. Pero la historia no acaba aquí... afortunadamente.

Cooper – "Fonorama"

Colosal, sublime, potente y ensoñador. Así es hasta la fecha el mejor tratado de power-pop jamás grabado en castellano, un pedazo de disco como la copa de un pino a la mayor gloria del que fuera alma mater de los excelsos Flechazos. Desaparece el órgano para dar entrada por la puerta grande a la señora guitarra eléctrica, "Fonorama" es una gloria perfecta en este sentido también, dos instrumentos perfectamente entrelazados (en la onda de todo un "Girlfriend") que dan brio y esplendor a quizás la mejor producción del Sr. Díez hasta la fecha, lo cual es decir mucho, o muchísimo. ¿Se acuerdan ustedes de aquel imitador, Hank (disculpen mi ya tradicional pulla anti-Roever)? Pues bien, olvidenlo de una vez y concentrense en el producto original, en personas que realmente tienen algo que decir, disfruten de piezas como "Un nudo en la garganta", unanse a la banda en su clamor por la radio en "Tecnicolor", bailen y pasénlo bien!! La verdad es la sucesión de grandes canciones, una detrás de otra, es acojonante. La expresión "no sobra ni una" nunca fue tan cierta. La urgencia de cada corte parece medida al milimetro, exactamente la que toca, en beneficio de la claridad y la intensidad, definitivamente un gran paso adelante para la música en castellano. Ahora mismo lo estoy escuchando, y ya hacía bastante tiempo que no lo escuchaba... ¿Sabéis lo que os digo? Que me parece todavía más grande que entonces.No sigan ignorando a Alejandro Díez, gañanes!

202

Spanish High Voltage Pt. 3

2011-10-02T21:13:00.000+02:00

Doctor Explosión - "El Loco Mundo de los Jovenes"

Bueno, aquí hay un poco de trampa, por el tema de que el castellano no es el único idioma que es triturado por la turmix asturiana conocida como "Doctor Explosion", pero es que los quiero tanto.... que no lo puedo evitar. Ademas, después de conseguir el milagro de tocar garage en español y sonar de puta madre, no pretendereis, muñecas, que en este apartadillo dedicado al producto hispano no se cuele una de nuestras grandes bandas. Aquí, hablar de una carrera ejemplar se queda simplemente corto, y no lo digo solamente en términos de la calidad musical brutal, sino de años y años de actitud y compromiso, y unos shows que bueno, cualquiera que los haya visto ahora entiende perfectamente el concepto "La caida de Roma". En escena tienen todo lo que me gusta: la inigualable intensidad de lo que yo llamo "pegada natural", esa a la que no le hacen falta watios para noquear al personal (MC5, Dead Boys, Hellacopters...) y el don para el entretenimiento. En conjunción, no se necesita nada más para pasar las mejores noches de rock´n´roll, a tumba abierta y a lomos de los más variados rítmos cavernícolas. Lo mejor es que podía haber elegido tranquilamente cualquier otro disco de su ya dilatada discografía, pero ese "Rompí la TV" que tanto me ha dao que se lo merece!. Pique aquí para una visión más profunda de tan magna obra.

Babylon Chat - "Hotel Adicción"

"Hoy mis labios son navajas / y tus besos son de sangre / y quiero estar cerca de ti / quemándote con mi pasión mortal de amor / Hoy mis venas son de fuego / y tus caricias son cenizas" ... Wow, brillante de cojones! Los primeros versos de "Perra de amor" podrían definir de arriba a abajo el tremendo disco que un dia firmara la banda en cuestión, Babylon Chat, probablemente la cima absoluta del sleazy/glam rock castellano. Si, el disco podría haber sonado mucho mejor, y sin duda esas canciones se hubieran merecido un estudio de terciopelo y un productor con huevos que se hubiera dejado el alma en hacerlos grandes, pero al menos ahí quedan un buen puñado de canciones con olor a sexo, calientes al tacto y excitantes al oido. Mucho carisma aquí, colega. Como sabéis, el cantante y guitarrista Igor Paskual es ahora uno de los chicos de la banda de Loquillo, y juntos están entregando grandes momentos para el rock de este país, pero no puedo evitar sentir una punzada de desánimo al pensar en lo que se podría haber convertido esta banda si las cosas hubieran sido diferentes y hubieran perdurado. Me quedo con la maravillosa noche que nos brindaron hace algunos años en la sala "Belle Epoque", y la conversación rock´n´roll total que tuve con el citado Mr. Igor. También me gustaron sin Paskual, la verdad, aunque no es lo mismo. Muy interesante también su "Bailando con Brando", una obra menos punk pero esencial, igualmente, otra cara de la misma moneda.

Buenas Noches Rose - "Buenas Noches Rose"

Otra gran banda de la que hay que lamentar su ausencia del panorama. Nunca los ví en escena pese a los parabienes que recibian todos sus shows, todas las oportunidades fueron desperdiciadas por una u otra causa. Y el famoso grupo que montó alguno de sus supervivientes la verdad es que no me mueve en absoluto, así que nos centraremos un poco. Estos tipos eran de todo menos inocentes e ignorantes cuando grabaron este disco, aquí un rastro perfectamente visible de vida y vicio, y cada una de las canciones está escrita con toda la intención. El sabor del disco es claramente clásico, cocinado al calor del medio tiempo 70´s, pero la propuesta es valiente y arriesgada en varios aspectos, como estructuras, desarrollos y letras, empujadas hacia territorios poco frecuentados por el castellano, incluso bastante resbaladizos, en los que hace falta mucha convición, muchísima, para no pegarse una verdadera hostia. A veces queda como una leve sensacion de que la voz está algo forzada, en contraposición a la facilidad con la que fluye la música, un rock´n´roll caliente y con pedigrí, con solera, que echaremos de menos cada dia más.

Ramoncín - "Barriobajero"

Y así, a lo tonto, llegamos al ínclito Ramoncín. Probablemente él solito es el responsable de destruir una carrera musical bastante interesante, que evolucionaba con cierta coherencia y en la que no faltaron verdaderos himnos ("Litros de alcohol", "La chica de la puerta 16", etc) y una actitud de chuleria consecuente. Ramoncín, en aquel entonces, no era de pedir nada sino de buscarse las castañas, y así te suelto en la cara un tema como "Chaval" y me quedo como una lechuga, señora. ¿Por qué me gusta este disco? Probablemente porque es un vivo retrato de toda una época, una época que yo no viví en absoluto pero que puedo facilmente oler y sentir cada vez que me pongo estas canciones. Y que diablos, es que aquí hay grandes cositas, y ojito con el trabajo a las guitarras (algunos punteos incluso valen su peso en oro), rockean de verdad. Sin embargo, creo que objetivamente su mejor disco es el siguiente, "Arañando la ciudad", pero hoy me quedo con "Barriobajero" y su "Felisín el vacilón", pedazo de tema. ".. y ahora paga su tributo en un fábrica!". Brutal.

201

Spanish High Voltage Pt. 2

2011-09-23T12:11:00.192+02:00

LOS ENEMIGOS - La vida mata.

Sin discusión, de lo más grande que ha campado por la piel de toro desde que el primer manolito conectó la primera eléctrica a su correspondiente chatarra amplificadora. A pesar de que soy ultrafanático de entre otros su primer disco, “Ferpectamente”, la elección de “La vida mata” está plenamente justificada porque amigos, es un disco que supone casi un antes y un después en la historia del rock español. Lo digo por la peculiar naturaleza y la rara profundidad de las letras, y por la evidente y mayúscula calidad de la música, que incluye unas guitarras celestiales y una voz quebrada de sentimiento. El conjunto puede competir con cualquier cosa. En la persona de Josele Santiago ya teníamos a nuestro propio Costello, Reed, Murphy, Zevon y Richards todo en uno, si se me quiere entender, y no es que antes no hubiera saltado alguna chispa pero eran eso, destellos aislados, canciones. “La vida mata” es un paso más allá que llegó sin avisar cual bisagra mesiánica. Muchas bandas se gestaron alentadas por lo que habían conseguido Los Enemigos, bandas que afortunadamente produjeron discos de similar empaque con el paso de los años, pero esta erupción de rock e inspiración en la que todo funcionaba no era demasiado habitual entonces, ni quizás después dirán algunos. La portada es una definitva alegoría del fin de la inocencia, y vaya si las canciones no acaban de apuntillar al más pintao. Imposible que "Desde el jergón" no te conmueva, querido, o que "Septiembre" no te deje pensando. Algunos llevan una carrera entera tratando de ser Josele Santiago, pero jamás lo conseguirán.

LOQUILLO Y LOS TROGLODITAS - El ritmo del garage.

Loquillo no podía faltar a esta cita, ni como persona, ni como el personaje o el músico. Para mí su disco más significativo es “El ritmo del garaje”, aunque la insultante madurez y la fuerza de obras posteriores como “Mis problemas con las mujeres” o “La mafia del baile” son un espléndida evolución coherente y a más, la importancia generacional de temas como “Cadillac solitario” o la propia "El ritmo del garage" es tan apabullante que por fuerza éste tendría que ser el disco a comentar. Qué se puede decir! Un compositor fino y en la senda correcta como Sabino Mendez brindando joya tras joya a un tipo que daba la talla sobradamente, un frontman en plenitud, sin miedo, sin remordimientos. Un rocker respetable, en definitiva. Te das cuenta de la cantidad de música que se abrió camino cuando se enterraron los escrúpulos y los complejos si pinchas este mítico vinilo y escuchas estas canciones abriendose paso. Coetáneos de Los Rebeldes, ambas bandas compartieron cierta filosofía pero... ejem... no hay color. Las huestes de Segarra estaban demasiado perdidas en el tópico, predestinados de antemano a amenizar conciertos nostálgicos para rockers calvos, y bueno, resulta obvio que su ambición era tan limitada como los propios parámetros del rockabilly. El Loco estaba cortado por otro patrón: "Siempre nos ha gustado mucho romper los esquemas de la gente. Cuando todos querían volver a vestir de cuero, yo me puse el esmoquín y sacamos "Chanel, cocaína y Don Perignon". Un tipo que se sabe cuidar solo.

LOS PLANETAS - Super 8

Y enlazando con los de arriba del todo (el bajista Fino Oyonarte produjo este disco), probablemente la selección más polémica para los habituales de este espacio. Antes de entrar en materia, permitidme una breve reflexión que creo viene a cuento. Cuando un rockerito de pro se rie de los llamemósles "indies", ellos se rien el doble. ¿Qué por qué? Pues mirad: han tenido unas revistas y fanzines que los han mimado (portadas, reportajes y artículos a tutiplén, incluso libros), unos sellos discográficos volcados con ellos a un 100% (cuando no fueron creados expresamente para poder grabarles), unos festivales organizados con un mimo y cuidado envidiables... en definitiva, toda una energia creativa recaptada para prevalecer y mantenerse de manera envidiable. ¿Y cuántas bandas rockeras llevan 10 años metidas en una furgo ninguneadas sin piedad por sus revistas de referencia, apelando a la raza para seguir vivas? Los Planetas son principalmente unos trabajadores incansables que nunca han vendido humo, unos tios coherentes y con duende, y su música ha sido siempre lo suficientemente eléctrica y contundente como para no tener que dar explicaciones de nada a nadie. Y más desde que tienen al huracán Erik Jimenez a la bateria, posiblemente el tipo más duro y tajante del panorama patrio. ¿Como diablos pueden estar en el mismo saco que La Monja Enana para tanto indocumentado? "Super 8" es algo grande, tios. Las bandas que lo cambian todo suelen tener varios himnos generacionales en su haber, y aquí tienes un pocos, porque estos tios lo tienen, tienen esa conexión con el sentimiento adolescente, con ese sentir universal, y todo instrumentado con brio, con personalidad, nadie suena como ellos ni de lejos. Uno como yo que no tiene ningún tipo de prejuicios musicales y al que el valor de las cosas no se lo dicta nadie, uno como yo se descubre ante la asombrosa calidad de la producción de este singular grupo, y con un cariño especial ante su primer largo que yo no se la cantidad de buenos momentos que me ha dado.

200

Spanish High Voltage Pt. 1

2011-09-18T18:00:00.003+02:00

Hacía tiempo que quería darle un repaso en Warehouse Of Rock a mis discos favoritos españoles. El blog está claramente perfilado en la senda de la tradición negra y/o anglosajona, y va a seguir siendo así por multiples motivos, pero (siempre hay un pero) los blogs acaban siendo en gran parte lo que es su dueño, y joder, hay música de aquí que me lo ha hecho pasar muy bien, y me ha llegado al fondo del corazón o las entrañas en algún momento u otro de mi vida. Rizando más el rizo, y ya que me pongo, voy a tirar de discos grabados además en castellano ( lo cual excluye muchísismos de mis favoritos!). Y sin más dilación...

GABINETE CALIGARI - Cuatro Rosas.

Para la época, todo un hito. Grandes dosis de sofistificación instrumental y lírica, canciones rematadas con gran estilo y ambición, con su punto exacto de chuleria y atención al detalle. Varios puntos hay que elevan este disco de categoría: una especie de halo de rock lisérgico inédito por estos pagos, la absoluta falta de complejos y, sin duda, una gran originalidad, tan grande que diamantes como "Haciendo el bobo" o la propia "Cuatro rosas" no hacen sino anticipar todo el Nuevo Rock Americano que vendria después. Curioso, les bastaron solo 6 canciones para bordarlo. La canción titular se abre con un riff elegante y perfecto, puro, la letra es una maravilla, y los arreglos de clavicordio y viento sencillamente perfectos, un medio tiempo que probablemente permanece insuperado en su categoría, una canción que habría mitificado a cualquier banda americana, por ejemplo. Y hay mucho más... la desolación que te deja "Más dura será la caida", declaraciones de principios en "Caray!", y sobre todo esa canción enorme como la copa de un pino, un grandioso y potente rock lisérgico que lleva por nombre "Haciendo el bobo", tonada brillante hasta decir basta. Nunca lo superaron.

ILEGALES - Todos están muertos.

"El norte está lleno de frio / y siempre llueve en Domingo / La Policia está en peligro"... No, nunca se anduvieron con hostias las huestes del maravilloso calvo Jorge Martinez. Mucho mejores músicos que la gran mayoría de sus coetáneos, desde el primer momento sus shows ya eran bastante profesionales y sonaban que te cagas, ejecutando esas canciones únicas y envenenadas. Lo bueno de los Ilegales es que entre tanta testoesterona y nihilismo, siempre hubo sitio para una especia de poética o no se bien como llamarlo (escúchese "Enamorados de Varsovia"), quizás dos caras de la misma moneda que en "Todos están muertos" se recrudecen de lo lindo, y precisamente quizás no sea su mejor disco pero es tan hiriente y salvaje que me tiene ganao el corazón. Y además fue el primero que compré de ellos. Su ánimo de molestar y de hacer ruido me sedujo sin más cuando no era más que una criatura inocente de yo que sé, 12 o 13 años y aparecieron en TV, y hasta ahora. Junto a Dr. Explosion y los Punishers, la más grande banda asturiana de la historia.

LOS NIKIS - Marines a pleno sol

En otro país, el himno "oficioso" de la selección seria "El Imperio contraataca", pero como somos un atajo de cutres berreamos una sintonia fea y desagradable cada vez que nos damos cita en alguna competición internacional. Lo teníamos delante de la cara y fiuffff!, nos lo dejamos pasar. "Tenemos nuestro "You never walk alone" particular, cretinos!!!" dan ganas de decir, pero bueno, volvamos al terreno de la mundanal realidad y demos un brevísimo repaso a "Marines a pleno sol". Qué se puede decir de los Nikis! ...Relativa (y en este caso) innecesaria destreza instrumental, pero ingenio, talento y reverencial sentido del humor todo el que tu quieras, hermano. Autores de algunas de las piezas más grandas del cancionero español, "Los niños del Brasil, "Diez años en Sing-Sing", "La naranja no es mecánica", "Silvia Sobrini" u "Olaf el vikingo" solo pueden tacharse de GIGANTESCAS, y mucho me temo que principio y fin en si mismas. Y eso de llamarles "los Ramones de Algete" es una simpleza, porque la incorrección politica y la creatividad de estos tipos se merece un crédito individual e intransferible, por muy claro que esté el hecho de que la banda de Queens tiene algo que ver aquí. Los Nikis, la definición de banda adorable.

BARON ROJO - Volumen brutal

Una banda de ensueño, amigos, y españoles!. Si de los anteriores no se puede decir que pasaran de los 4 acordes, de estos colegas podemos decir que durante unos años trataron de tú a tú a cualquier estrella mundial del hard rock, mirándoles fijamente cara a cara, incluso alguno como Gary Moore se negó en redondo a tocar detrás de ellos sabedor de donde podria quedarse su show. Y hablamos de Gary Moore. Dentro del desolador paisaje del rock´n´roll nacional de aquellos años, fue increible disfrutar de semejante pedazo de banda y discos como el legendario "Volumen brutal", repleto de un rock duro de 24 kilates y un saber hacer ante el cual solo queda quitarse el sombrero. Se suceden himno tras himno, riff maestro tras riff maestro, canción tras canción sin tregua en definitiva. Perdieron el más importante de los trenes cuando su discográfica no quiso pagar los 8 millones que le pedian para poder telonerar a AC/DC en una gira mundial, pero al menos hiceron felices a una legión de mocosos como yo. Ya sabéis: "Si he de escoger / entre ellos y el rock / elegiré mi maldición / Sé que al final tendré razón / y ellos no".

199

Nirvana - In Utero

2011-09-02T12:19:00.003+02:00

Después de todo este tiempo, no sé si Nirvana fueron realmente tan grandes, tan importantes o tan geniales, pero lo que si tengo claro es que fueron necesarios y me lo hicieron pasar bien. Más que suficiente para recordarlos con una pizca de amor, incluso. Hay quien se queja de que Nirvana liquidó el hair metal, pero son los mismos a los que no parece importarle que la banda sacó a patadas del panorama a Jacko y a otro buen montón de mierda gracias al camino que abrió para el resto de bandas alternativas o grunge de la época, incluso dejó una escena confortable para las bandas de rock en general, haciendo que el mundo viviera otra nueva era excitante. Probablemente sea una de las bandas sobre las que se han vertido las acusaciones más divertidas y disparatadas, como cuando rockers frustrados insinúan que Kurt Cobain destruyó los solos de guitarra el solito, en plan Junkie Avenger, joder: "Ven aquí Sykes, toma linea de ruido fuera de tono!", "Hey Sabo, tu no te escapas, trágate esta nota insana retroalimentada de 24 compases!", "Blackmore, no volverás a cagar tranquilo tras oir mi pitido!!!"... A veces según que metaleros actúan como verdaderos católicos radicales espantados cuando los no creyentes pasan de sus preceptos... un solo de guitarra no es algo natural en un tema de Nirvana. Lo cierto es que hubo grandes solos de guitarra antes de Cobain, durante Cobain y después de Cobain, pero probablemente no eran los de los bocazas. Y la banda adoraba a los Sabbath o los Zep!. Fans declarados!.

Es ridiculo ponerse a discutir si "Nevermind" fue el "Sgt. Peppers" de la época, simplemente es un hecho. Como aquel disco de los Beatles, probablemente no fue la mejor ni más fina música de su tiempo, pero fue la más importante: seguramente Nirvana no es tu banda favorita ahora pero todo el mundo vió que ahí había algo. No les tocó la china, la flauta del "Nevermind" sonó porque la madera era de buena calidad, era robusta, de sonido impecable, diferente, y la sacaron de la caja en el momento adecuado. Cuando la imagen de un grupo trasciende a la calle la bola ya es imparable, junto al look "Ugly kid Joe" comenzó a convivir (y a ganar la partida) eso que se dio a llamar grunge, a saber pantalones con rotos y descosidos, camisas de leñador, etc. Por todas partes, a ver quién no picó. Bueno, no picó por ejemplo mi amigo Andrés Von Bulow, irredento clon de Lemmy (cinturón de balas incluido), pero eso es otra historia. "Nevermind"... todavía me cuesta hablar de él, incluso escucharlo, y es que la vida a veces te depara momentos jodidos de verdad y cuando pienso en este disco, irremediablemente pienso en alguien que ya no está por estos andurriales, por las veces que tocamos juntos estas canciones cuando aprendíamos el oficio, y por mil razones más.

Así que.. hablemos de "In Utero"! Por otra parte, un disco que me gusta tanto como el otro o "Bleach", y que tiene la virtud de ofrecer un amplio panorama de lo que hubiera dado de si la vida musical de Cobain si éste no hubiera decidido desaparecer del mapa. La música del grupo estaba cambiando, y lógicamente "In Utero" lo capta a la perfección. En el horizonte aparecía un nuevo sol, más cercano a REM que a Black Sabbath, por así decirlo. Todas esas canciones, "All apoligies", "Dumb" o "Pennyroyal Tea", incluso "Serve the Servants", están construidas y ejecutadas con otra ambición, la banda se expresa con mayor "franqueza", hasta llegar a descarnarse vivamente en "Heart shaped box", que podría ser mi tema preferido de Nirvana. De todas maneras, en este disco Nirvana no perdió de vista la rabia y el nihilismo característicos, con el efusivo hardcore de "Milk it" o "Radio friendly unit shifter", pero en el fondo es muy diferente a su antecesor. Indudablemente, una banda muy por encima de la media.

En memoria de V.

198

Dead Meadow - Feathers

2011-08-28T19:51:00.005+02:00

Retrocedamos en el tiempo, hasta los días de la gestación de las primeras bandas de hard rock. Por un lado, la música blues se había electrificado hasta límites desconocidos, viejas historias rurales transmutadas en brutales muros sónicos, describiendo un círculo perfecto desde la inicial desnudez hasta el último rugido igualmente básico y primario. Por otro lado, la música psicodélica acababa de dejar un bonito cadáver al mismo tiempo que una cantidad ingente de música irrepetible, dejando para el background del rock venidero sus tempos, desarrollos o armonias. En ese caldo de cultivo germinaron entes como Black Sabbath o los primeros Atomic Rooster... y casi 4 décadas después la banda que nos ocupa: Dead Meadow. Bastante desconocidos en España, sin embargo son uno de los grupos más interesantes de nuestros días. De estética un tanto retro, la banda suena plenamente atemporal, poderosa, exhibiendo un lenguaje lo suficientemente distinto y sobre todo personal que les deja a salvo de caer en el papel de meros revisitadores. Simplemente, son gente mostrando que las guitarras electricas son divertidas, tanto como escaparse y/o desvanecerse de vez en cuando. En cierto sentido, la mente es un fantástico conglomerado de destinos turísticos!

Supongo que han recibido la influencia directa de Black Sabbath (al menos en ciertos "contornos"), pero me da que sobre todo han mamado de las mismas fuentes de las que bebieron Iommi & Co. Ambas bandas "retuercen" el blues de lo lindo, pero con intenciones diferentes, y en cuanto al componente psicodélico, mientras en la banda de Birmingham se muestra compactado aquí se despliega en todo su esplendor, variando de intensidad según el momento, el album o la canción, e incluso prevalece a los momentos más rockistas, con esas benditas canciones decantándose hacia terrenos de pura filigrana alucinógena, pasajes inductivos, densos y profundos. Sumamente adictivos en directo, sus shows son algo increible. Impecables en la función de hacer resplandecer su obra grabada encima del escenario, es un auténtico viaje para los sentidos poder contemplarles en acción, de pie en medio de una auténtica niebla púrpura mientras todo ese sonido se adueña de la sala y escarba en los recovecos de tu cerebro, directos a la felicidad psicodélica perseguida antaño por Jerry Garcia.

El debut de la banda se produjo hace 11 años de la mano de su album homónimo, "Dead Meadow" donde ya se aprecian los mimbres de los que tirarán los colegas en el futuro. Un disco recomendable, que además tiene a bien mostrar los primeros trazos de genialidad en forma de obras maestras como "Greensky Greenlake" o "At the edge of the wood". Comandados por Jason Simon y Steve Kille (guitarra/voz y bajo respectivamente) las baquetas a cargo de Mark Laughlin cambiaron de dueño tras su segundo trabajo, "Howls from the hill" y la edición de un live titulado "Got live if you want it". "Howls.." es un trabajo más maduro y equilibrado, probablemente el más heavy, disfrutable perfectamente por el público stoner más abierto de mente. El tercer disparo, "Shivering king and others" es la primera obra de arte total a cargo de los chicos de Washington, con el nuevo bateria Stephen McCarty sintonizado de manera increible con Simon y Kille. La banda se muestra más efectiva si cabe, ejecutando con maestria lo ya conocido y lo que faltaba por explorar más a fondo (esa "Golden cloud/Me and the devil blues"...mhmmmm), lo que deja el camino libre hacia el disco que nos ocupa, "Feathers", grande como la copa de un pino. Segunda obra maestra.

Para la ocasión contaron con un segundo guitarrista, Cory Shane, que para mi gusto lo hizo estupendamente, un trabajo discreto y efectivo, realzando el virtuosismo de Simon, un tipo a estas alturas completamente desatado e inspirado, en medio de un balance perfecto entre classic rock, terrenos psicodélicos y la actualidad del año en el que se grabó, 2005. Se inicia con un riff demoledor, "Let´s jump in", un tema denso y matador como el desierto que da paso a la etérea "Such hawks such hounds", tema en completo contraste complementario. "Get up on down" es la siguiente canción, más despegada y experimental, con unas guitarras brillantes hasta decir basta que desemboca en la terrible belleza de "Heaven", una suerte de blues lánguido y desesperado, con los Floyd emitiendo pequeños destellos de fondo. Todo en su sitio para que llegue la cima del disco, la tremendísima "At her open door", rememoranza vibrante del mejor rock psicodélico del pasado, desde los más recientes Rain Parade hasta los más pretéritos Jefferson Airplane. Una canción inmaculada, que vale por si misma la carrera entera de una banda de rock. El pulso y la creatividad no descienden un ápice con el siguiente tema, "Eyeless Gaze All Eye/Don't Tell the Riverman", con unos deliciosos pasajes ahora más claramente floydianos en el último tramo. Oro puro. Casi se me van acabando los adjetivos y todavía tenemos por delante una perla de pop exquisito como "Stacy´s song", el retorno a la densidad de "Let it all pass" y los desbocados 13 minutos finales de una canción sin título, más concretamente "Untitled". Verdaderamente un disco que nadie deberia dejar de escuchar, incluso os recomendaria que paréis por un momento de descargar más música y le dediquéis 5 o 6 escuchas atentas. Y lo mismo os digo para el resto de sus discos, como su siguiente y tercera obra maestra, "Old Growth". Lo último que han editado, "Three kings" es una suerte de imagenes musicadas, a las que no recomiendo acercarse antes de catar a fondo el catálogo anterior. Ahora han recuperado a su primer bateria y hace tiempo que giran sin el otro guitarrista, no se os ocurra dejarlos pasar si se os ponen a tiro en algún próximo concierto.

197

After Dark Vol. V

2011-08-27T12:50:00.000+02:00

Entrada programada

"En la autopista de la capital, los vehículos que acceden a la ciudad ya han empezado a formar retenciones ante los peajes. Frías sombras se extienden aún en muchas calles encajonadas entre los edificios. En ellas todavía permanecen intactos muchos recuerdos de la noche anterior.

Nuestra mirada se aleja del cielo sobre el centro de la ciudad y se traslada a una tranquila zona residencial de las afueras. Desde lo alto, todas parecen casi idénticas. Ingresos similares, composición familiar similar. Un Volvo nuevo de color azul marino brilla con orgullo al sol de la mañana. Aquí también está empezando un nuevo día. Quizá sea un día como los demás, o quizá sea un día relevante que, por diferentes razones, quede grabado en la memoria. En cualquier caso, por el momento, todo el mundo tiene ante sí una hoja en blanco, sin nada escrito. La noche se ha acabado por fin. Aún falta mucho tiempo para que nos visiten de nuevo las tinieblas"

"After Dark" Haruki Marukami

The Cramps

Live at Napa State Mental Hospital 1978 DVD

196

After Dark Vol. IV

2011-08-23T18:55:00.001+02:00

Entrada programada

"Se agitan las olas del pensamiento. En algún rincón sombrío de su conciencia, una zona minúscula, a la que luego se van sumando otras, empieza a responder, sin palabras, empiezan a conectarse con otras, igual que ondas concéntricas cuando se extienden por la superficie del agua. El tiempo transcurre"

"After Dark" Haruki Marukami

Kung Fu contra los 7 Vampiros de Oro.
Peter Cushing, David Chiang, Julie Ege, Robin Stewart, etc.
Director: Roy Ward Baker y Cheh Chang
195

After Dark Vol. III

2011-08-20T07:47:00.005+02:00

Entrada programada

"Se pasa una mano por el flequillo. Se coloca bien la capucha de la sudadera que lleva debajo de la cazadora. Luego, como si se alentara a sí misma, se mordisquea los labios y asiente repetidas veces. De modo simultáneo, la Mari del espejo también se mordisquea los labios y asiente repetidas veces. Se cuelga el bolso al hombro, sale del lavabo. La puerta se cierra.

Nuestra mirada convertida en cámara permanece unos instantes en el lavabo, sigue barriendo el interior del cuarto. Mari ya no está allí. Ya no hay nadie. Sólo la música sonando por los altavoces del techo. Una melodía de Hall & Oates. I can´t go for that. Al mirar con atención, descubrimos que en el espejo todavía se refleja la imagen de Mari. Y la Mari del espejo está mirando hacia nosotros desde el otro lado. Con expresión seria, como si estuviera esperando a que ocurriera algo. Pero a este lado no hay nadie. Sólo la imagen de Mari que permanece en el espejo del Skylark.

Todo va sumiéndose en la oscuridad. En las tinieblas, cada vez más densas, suena I can´t go for that."

"After Dark". Haruki Murakami

01 - The Shazam - Calling Sydney

02 - The Flammin Sideburns - Up in flames

03 - The Fore - Love for Sale

04 - The Knack - Another Lousy Day In Paradise

05 - Stories - Top Of The City

06 - Matthew Sweet - If time permits

07 - The Lovetones - A Place For Us

08 - Roger Klug - Girl After My Own Heart

09 - Maplewood - Darlene

10 - The Essex Green - Everything Is Green

11 - Bobby Sutcliff - My Perfect Dream

12 - Fallon Cush - Kiss You Awake

13 - D. L. Byron - Witching Moon

14 - Two Hours Traffic - Stolen Earrings

15 - The Riffbrokers - Lenient

16 - Paul Collins - Hurting´s On My Side

17 - Fade Outs - Sun Queen

194

After Dark Vol. II

2011-08-16T18:00:00.000+02:00

Entrada programada

"En este hotel los clientes miran el panel de fotografías del vestíbulo, escogen la habitación que les gustan, pulsan el botón correspondiente y retiran la llave. Así funciona. Luego sólo tienen que que tomar el ascensor y subir a su habitación. No necesitan ver a nadie. Tampoco deben hablar con nadie. Hay tarifas por horas y por noche completa. Iluminación en tono azul oscuro. Mari Asai lo va estudiando todo con curiosidad. Karou dirige un breve saludo a la mujer de recepción.

- Tú no has estado nunca en un lugar como éste, ¿Verdad? - dice dirigiéndose a Mari.

- No. Es la primera vez.

- Bueno, pues ya ves. En este mundo hay muchas maneras de ganarse la vida.

La habitación no tiene ventanas. La atmósfera es asfixiante. Hay una cama y un televisor enormes para el tamaño del cuarto. En un rincón se ve a una mujer desnuda en cuclillas, encogida, como si quisiera abultar lo menos posible. El suelo está lleno de toallas manchadas de sangre."

"After Dark" Haruki Murakami

01 - Roy Brown - Boogie At Midnight
02 - Jackie Brenston - Rocket 88
03 - Sonny Burgess - Higher
04 - Tony Conn - Like Wow
05 - Johnny O'Keefe - Real Wild Child
06 - Ronnie Self - Rocky Road Blues
07 - Harold Jenkins - Give me some love
08 - Charlie Feathers - Too much alike
09 - Clarence Henry - Ain't Got No Home
10 - Dale Hawkins - My Babe
11 - Billy Lee Riley - Red Hot
12 - Danny Wolfe - Pucker Paint
13 - Dean Beard - Villa Acuna
14 - Ronnie Haig - Money Is The Thing Of The Past
15 - Mcguire Sisters - Sincerely

193

After Dark Vol. I

2011-08-12T07:50:00.000+02:00

Entrada programada

"En el amplio panorama, la ciudad parece un gigantesco ser vivo. O el conjunto de una multitud de corpúsculos entrelazados. Innumerables vasos sanguíneos se extienden hasta el último rincón de ese cuerpo imposible de definir, transportan la sangre, renuevan sin descanso las células. Envían información nueva y retiran información vieja. Envían contradicciones nuevas y retiran contradicciones viejas. Al ritmo de las pulsaciones del corazón parpadea todo el cuerpo, se inflama de fiebre, bulle. La medianoche se acerca y, una vez superado el momento de máxima actividad, el metabolismo basal sigue, sin flaquear, a fin de mantener el cuerpo con vida. Suyo es el zumbido que emite la ciudad en un bajo sostenido. Un zumbido sin vicisitudes, monótono, aunque lleno de presentimientos."

"After Dark" Haruki Murakami

01 John Coltrane - Alabama

02 Hank Mobley - Split Feelin´s

03 Herbie Hancock - Maiden Voyage

04 Wayne Shorter - Fee-Fi-Fo-Fum
05 Stan Getz - Love Is Here To Stay

06 Chet Baker - Autumn in New York
07 Oliver Nelson - Stolen Moments
08 Freddie Hubbard - But Beautiful

09 Dexter Gordon - I Guess I'll Hang My Tears Out To Dry
10 Sonny Clark - Cool Struttin'
11 The Dave Brubeck Quartet - Take Five
12 Bill Evans - Emilly
13 Curtis Fuller - Five Spots After Dark
191

Grateful Dead - American Beauty

2011-08-06T16:15:00.002+02:00

Grateful Dead, las flores de San Francisco, la banda que originó tantas cosas. Funcionaban como un ser unicelular, un ente homogéneo siempre en progresión, en movimiento, siempre en la carretera o encima de un escenario en busca de la felicidad psicodélica. Conocían todos los trucos acerca del blues, bluegrass, rock´n´roll, country y especialmente del folk, en cuyo ámbito perdieron la inocencia los dos guitarristas y voces cantantes Jerry Garcia y Rob Weir. Estos tipos fueron la propia Música, la respiraban y exhudaban con una rara sensibilidad. Todas esas canciones cobraban vida propia en sus manos, a veces en forma de pequeñas historias de ambiente rural, otras en gigantescas jams... daba igual, si bien no estaban hechos para gustar a todo el mundo nadie les puede negar que en lo suyo no hay ni un ápice de artificio. Personalmente, solo concibo la obra de los Dead como un todo (especialmente hasta el 75), me cuesta horrores elegir solo un disco de entre sus primeras 6 obras maestras, así que simplemente le vamos a dar un repaso al último que escuché ayer en el ipod: "American Beauty".

Hace unos meses a punto estuve de publicar una entrada sobre su live sin título, conocido con el sobrenombre de "Skull And Roses" ("Bertha", "Me and Bobby McGee", "Playing in the Band", "Goin´down the road feeling bad"... simplemente tiene uno que privilegiarse con su escucha!), que fue precisamente el disco inmediatamente posterior al "American ...". Por esta época, el control de Garcia y compañía sobre la expresión y la destreza instrumental (que no virtuosismo vacuo) había sobrepasado con creces la línea que separa a un grupo legendario de uno simplemente bueno. La madurez de la banda vino por si sola, sin que nadie se molestara en llamarla, y lejos de anquilosar los propósitos del grupo les posibilitó expandirse musicalmente, concentrar en una pequeña porción de compases o unos sencillos coros una gran cantidad de emociones y una energía natural invisible, de bienestar y felicidad.

El disco comienza con una pieza bárbara, "Box of Rain", una completa maravilla construida con unos mimbres tan sencillos como lejanos para la mayoría de los mortales, el mejor envoltorio posible para una de las mejores letras que he tenido el gusto de oír en toda mi vida. Los pequeños arreglos de guitarra a cargo de Jerry Garcia son buenos hasta decir basta, el tempo de la canción, los relevos entre voz solista y la respuesta de los coros, la resolución del final con ese sutil cambio de tonalidad... muy grande! No es la única canción enorme del disco, pero quizás si la mejor, aún concediendo a "Friend of the devil" o "Sugar Magnolia" grandes dosis de inspiración, a la altura de la frescura de "Operator" o la dulzura de los momentos más country de dos piezas que crecen con las escuchas, "Ripple" y "Candyman". ¿Necesitas una balada sentida, honesta, sencillamente rural? Entonces lleva la aguja del reproductor hasta el corte correspondiente a "Brokedown palace"...hmmm, toda una delicia, lo mismo que la pieza final, la grandiosa "Truckin", ese tipo de blues misturado con mil cosas como solo los Grateful Dead fueron capaces de destilar. Amigos y amigas, si no lo tenéis, tratad de conseguirlo como sea, os dejo en su compañía mientras me preparo para largarme de vacaciones. Un abrazo a todo el mundo, Cheers!!!

191

Oliver Nelson - The Blues And The Abstract Truth

2011-07-30T17:59:00.003+02:00

Hace mucho tiempo desde que el jazz asomó la cara por última vez en este callejón, cuando Hancock hiciera acto de presencia con su "Maiden Voyage". Es cierto que para lo que me gusta, publico bien poco de jazz, pero bueno, solo hay que fijarse en el nombre del blog! Lo que si voy a intentar es mantener el nivelazo de los 4 que han caído hasta ahora, y en esta tarde de rayos, truenos y agua a chuzos lo que suena en el reproductor es una de esas obras maestras absolutas, indiscutibles, caballo ganador, una cima del jazz, mejor dicho, una cima de todo lo que implica la música jazz. Cada vez que un disco de esta música cae en mis manos lo primero que hago, es mirar enseguida quién toca a ver si los tengo fichados, y viendo la combinación hago mis pequeñas fantasías sobre a ver por donde van a ir los tiros. En los créditos de "El blues y la verdad abstracta" tenemos, aparte del propio Nelson, a Eric Dolphy, Bill Evans, Paul Chambers, Roy Haynes y un desconocido George Barrow, un tipo que no ejecuta ni un solo pero que cumple una función esencial armonizando con su saxo barítono los motivos esculpidos por el titular. En fin, casi nada.

Lo curioso es que todos los invitados eran gigantes, figuras del jazz, todos menos el propio Oliver Nelson, un tipo bastante ajeno a las excentricidades y peculiaridades de los prebostes del asunto, y en cambio poseedor de un talento innato, de un sexto sentido sin igual para estructurar la montaña de emociones en las que se convierte un buen tema de jazz. Vamos, un tipo hace que todo funcione. Y en fin, algo de talento se tiene que tener para lidiar con cosas tan aparentemente diferentes como la sofisticación de Dolphy, la fuerza evocadora, clara, de la trompeta de Hubbard, el toque celestial y ensoñador de Evans o la clase atemporal de Haynes y acabar entregando una obra mayúscula, grabada en unas pocas horas, a la historia de la civilización occidental. "The blues..." hace casi que el tiempo se detenga, de lo bueno que es.

El argumento principal del disco ya lo indica su título, el blues. No nos vamos a encontrar historias del viejo Mississippi, claro, pero sí un viaje alucinante de indagación meticulosa a la razón y el porqué del blues, de su estructura, blues desatomizado y vuelto a construir en forma de increíbles momentos de música, consistente y dúctil, maravillosa. Tengo una pieza favorita por encima de las demás, y es que "Stolen Moments" es mucho, amigos. Coged la primera parte de este párrafo y multiplicadlo por mil, y ya tendréis una idea de lo que el genio desbordado de Oliver Nelson fue capaz de organizar, desde el sublime motivo principal escrito por él mismo (como todo el disco, por otro lado) a los solos... uf, no tengo palabras. Ahora bien, el hecho que sea mi preferida, no significa que el resto del álbum no sea estratosférico y memorable, desde el todo en conjunto a la aportación individual (Evans en "Yearnin´", Haynes en "Cascades", Dolphy y Chambers en "Teenie´s blues", Hubbard y Nelson en ... todas!). Qué 36 minutos de música, colegas!

190

The Chesterfield Kings - The Mindbending Sounds Of...

2011-07-24T20:08:00.001+02:00

Greg Prevost y su compinche Andy Babiuk (por aquel entonces un mocoso coleccionista de discos adolescente) montaron una banda de rock con el único fin de ejecutar sus canciones preferidas, que no eran otras que todas esas maravillosas gemas del garage rock, también del rhythm´n´blues, ocultas entre las nieblas del tiempo y solo visibles para los verdaderos creyentes. Dado que la banda debutó en los 80´s, estamos hablando de que se pasaron por el forro todo sonido imperante en aquellos días, desde el heavy metal hasta lo que quedara de new wave, recreando con meridiana exactitud la antítesis estético-sonora de aquella década entre mortal y despreocupadamente feliz. No fueron los únicos que tomaron esta vía, como ya se sabe (Fuzztones, Cynics, etc), pero que os voy a decir, simplemente me encantan y son infaltables en un blog como éste, y su "Mindbending Sounds of..." es tan buen disco como cualquier otro de su discografía para tener la excusa de celebrarlos.

Hablar sobre música de garage es exactamente tan fácil como difícil; fácil, porque todas las coordenadas son claras y concisas (su escucha e interpretación son básicamente actos de fe), pero también difícil porque precisamente esos planteamientos básicos y en cierto modo nihilistas dejan poco campo de acción a la literatura, de hecho todo el campo de acción va a parar al pie que marca el ritmo sin poder evitarlo, cuando no es el cuerpo entero quien toma el control presa de movimientos cavernícolas y rítmicos, descontrolados si el material es bueno, elegantes y orgullosos si, como en el caso que nos ocupa, un cierto tamiz entre psicodélico y barroco dirige la función. En efecto, no es el artefacto más descarnado de los Chesterfield, no, lo que aquí se recrea son más bien los años rollingstonianos previos al famoso "cambio de sonido" de los chicos de Jagger (básicamente cuando Richards se juntó con Ry Cooder y Mr. Brown Sugar y afinó su guitarran en open-G). Hablo de "Aftermath", "Between the buttons", y del rhythm´n´blues de connotaciones psicodélicas que sacudía el underground de aquellos años, aunque el ambiente garagero es notorio en todos y cada uno de los cortes, por supuesto.

Prevost está influido a partes iguales, creo yo, por Jagger y los Dolls, de hecho por momentos me lo puedo imaginar tocando con Watts, Richards, Wyman y Jones en el Marquee, igual que cuando lo miro en escena, durante algún concierto, no dudo que en cualquier momento pudiera arrancarse con una brillante y personal "Personality crisis" y dejarnos con los huevos colgando. Porque esta banda, está claro, gana muchos enteros encima de un escenario, no conozco a nadie que no haya salido con ganas de más, no conozco a nadie que no haya quedado hambriento del rock´n´roll de los Chesterfield Kings tras uno de sus incendiarios shows. Precisamente, servidor se despidió de Madrid en dirección mi actual hogar (Barcelona) con el increíble bolo que los colegas se pegaron una noche de junio del 2006 en la Boite, directamente inolvidable. Este disco que posteo hoy por aquí ya estaría justificado sólo con su primer corte, una de mis canciones preferidas de todos los tiempos, una tremenda tonada de desesperación y rabia, una joya atemporal de nombre "I don´t understand". Pero creedme... hay mucho más. Discazo!.

189

I Feel Like Playing!

2011-07-20T11:08:00.006+02:00

Bueno, pues nada, rápidamente os presento mi nuevo blog, I FEEL LIKE PLAYING, capitaneado por mi alter-ego Der Freischütz, nada más que un pequeño entretenimiento para compartir otro tipo de música diferente a la que suele aparecer por Warehouse of Rock. Espero que algunos al menos os piquéis con lo que publique, he decido dejar los comentarios para tal fin (o sea largar sobre la obra en cuestión, si surge algún debate), e ilustrar las entradas con algún pedacito de algún libro, o ya veremos el qué. La primera entrada es de diciembre del año pasado, la idea era antigua pero tuve que abandonarla por motivos de trabajo y toda esa mandanga.

Burning Tree - Burning Tree

2011-07-15T10:50:00.171+02:00

La primera vez que escuché este disco me sorprendió bastante: No esperaba encontrar semejante colección de buenas canciones a cargo de la banda que posibilitó el debut discográfico de Marc Ford. Sorprendente, porque el material les podria haber proporcionado una carrera musical y un lugar en el mapa, o al menos una primeriza notoriedad y expectativas, y sin embargo apenas lograron salir de su escena local. Burning Tree fueron un power-trio de raza, solventes y dotados para el oficio, buenos conocedores de la tradición del invento y sin embargo con la oreja bien pegada a los sonidos de su tiempo, los primeros años 90´s. Resulta curioso cómo el propio disco en si va oscilando sin trompicones de los sones Hendrixianos y clásicos del primer corte hacia temas como "Masquerade", un inspirado cruce L.A./Seattle, o cómo la genial "Playing in the wind", plagado de aromas Cream, acaba explotando en un estribillo bastante cercano a Mark Lanegan.
.

Ford todavía no había desarrollado todas sus cualidades como instrumentista y andaba pagando sus deudas, pero la verdad es que ya se puede hablar de un gran guitarrista tocando a un gran nivel. Sus notas son claras, definidas, y su sonido grande. Los colegas que le acompañan la verdad es que no pasan de la solvencia pero no desfallecen y aguantan el tipo.... no, no sorprenden especialmente por su destreza, pero todo funciona bastante bien al final, que es lo que importa, o no? Buenos mimbres y buena actitud, gran amplitud de registros vocales por parte también del Sr. Ford (se adivina incluso margen de mejora en esta tarea), arsenal suficiente para hacer de "Burning tree" o "Blues, wings and high healed shoes" grandes piezas definitorias de lo que es un power trio a la vieja usanza, también suficiente arsenal para navegar desde la densidad electrica de "Fly on" hacia la paz de la preciosa balada "Baker´s song" y de paso hacer una visita a encantadores medios tiempos como "Mistreated lover", guapo, guapo.
.

El final de la historia de Burning Trees es el inicio del reinado de los Black Crowes. Ya conocéis la historia, el grupo se disuelve y los hermanos Robinson llaman a la puerta de Marc (habían teloneado a los Cuervos en la gira del "Shake..."). ¿Qué hubiera pasado si el éxito no les hubiera sido tan esquivo? ¿Alguien se puede imaginar "The southern harmony musical companion" o "Amorica" sin el concurso de la guitarra del colega? Definitivamente, la historia del rock no habria sido la misma, no solo por lo que toca a los Cuervos sino porque probablemente habrian existido un buen puñado de grandes discos a cargo de unos tales Árboles Ardientes. Como comentábamos en la entrada anterior, sólo desear que este tipo, Marc Ford, logre superar los problemas que le tienen perdido para la causa, y que le calle la boca a tanto indeseable que disfruta metiéndole caña a todo un guitarrista como la copa de un pino. Come back, folk!
188

The Black Crowes - Goodbye guys and good luck !! Bilbao 09/07/2011

2011-07-12T13:09:00.001+02:00

Hay algo especial en estos muchachos, en su rock´n´roll majestuoso y atemporal revestido por el talento natural de todos y cada uno de los integrantes de la banda, ejecutado con una convicción y naturalidad digna de los cuatro o cinco grupos más grandes de la historia entre los cuales servidor les incluye. Lo tienen, lo tuvieron desde el minuto 1, sin duda, y ahora además tienen el empaque de los clásicos y el verdor de una primavera musical perenne en la que canción tras canción no han hecho sino crecer, fortalecer sus ramas y hundir sus raíces hasta ese lugar donde todo comienza, principio y fin de todas las cosas que es el el blues mismo. Ellos tienen el blues, chicos, y ha sido un privilegio tener a semejante banda de rock´n´roll como compañeros de generación.

Mi llegada al aeropuerto el día del concierto fue temprana, así que tras el embarque en el bus municipal decidí bajarme en la parada de San Mamés para ir al hotel Abando paseando tranquilamente por la ciudad, que para los que no la conozcáis, básicamente es como hacer el trayecto inverso a la ruta del propio bus. Por supuesto, también lo hice para ver de nuevo la Catedral, la casa de mi equipo de fútbol, toda una institución, y esbozar una sonrisa mientras recordaba viejos albumes de cromos de la Liga. Volvería a hacer el mismo recorrido de madrugada, en la mitad de la noche atlántica, en otro estado físico y mental, gloriosamente orgulloso de haber visto algo verdaderamente inolvidable.

Tras mi llegada en solitario al recinto festivalero y primera inspección ocular, nada mejor que acudir al puesto de avituallamiento y enganchar el primer litro de cerveza de la noche. Me acerqué al escenario principal donde una tirillas esmirriada y su banda ofrecian su impersonal e hipersaturado rock plagado de tics grunge, psuedo-industriales y varias hierbas más que no son de mi agrado, la verdad, aunque la tipa después de todo se entregaba a su causa de lo más convencida. Con todo y con eso, un espectáculo mucho más agradable que la desgracia de presenciar algo tan decadente, bajuno, asqueroso y horripilante, algo tan sumamente anti-rock como el concierto que 30 Seconds To Mars "ofrecerían" más tarde. Bien, tras la tirillas hicieron su aparición en el escenario principal una de las más grandes sorpresas que me he llevado en esto de los festivales, los fantásticos The Savy Favs. Aparte de una música con fundamento y realmente buena, el señor cantante de la banda es algo digno de verse chicos, no se puede explicar con palabras el grado de desquicie, excentricidad, buen humor y calidad de entretenimiento que el tipo nos endosó cada minuto del show (y de la prueba de sonido!!) y que hará que esta actuación se convierta en mítica.Y encima cantaba de puta madre! Bueno, supongo que ya habréis leído alguna que otra cosa sobre el asunto, así que no voy a entrar en más detalles. Como dijo el colega, "no le contéis a nadie lo que habéis visto esta noche, es un secreto". Tras algo tan terriblemente bueno, todavía fue más desgraciado tener que ver, aunque solo fuera hasta que pude reaccionar, la más grande birria en escena de todos los tiempos: Thirty Seconds to Mars. Una banda abominable donde todo es pose, nulo talento musical y fans quinceañeras enloquecidas. Fue una pena tener que marcharme porque durante el show y post-show de los Savy habia conocido a tres simpatiquísimas bilbaínas a las que no volví a ver en toda la puta noche, damm!. Pero entre las ganas de mear que tenía, la cantidad ingente de teenagers que apuntaló el recinto para ver al subnormal de Jared Leto y sus secuaces, y el que ya se me estaba haciendo muy duro presenciar aquello, pues nada, es lo que hay.

Y por fin llegó el momento! Black Crowes a escena, a solo dos o tres metros de mis privilegiados ojos. Acojonante la pinta de Jesucristo que se gasta Chris Robinson, con su barba hippie y alucinada, cada vez más poseído por un espíritu de paz a lo Woodstock supongo que consecuencia de la manera en la que estos tíos están haciendo su música, simplemente natural y pura. El primer aldabonazo fue un magistral y emocionante "Jealous", que me hizo recordar de golpe a todos mis colegas de cuando era un imberbe y el primer redondo de los Cuervos calentaba nuestras fiestas y demás juergas. Quise ir solo a propósito, durante el show no iba a haber nadie más que yo y la banda, pero fue inevitable acordarme de todos, los que están y los que se me han ido. La música es muy poderosa, verdad?

Tras el primer trocito de gloria, una brillante "Hotel Illnes" y el prodigio de "Good Morning Captain", una jodida canción que tiene apenas un año y ya es un puto clásico! Y que decir de "Soul Singing", dios mio, que portento della invenzione, consiguieron hacerme emocionar especialmente. Con temas como este, uno se da cuenta ante qué tipo de banda se está, y hasta donde han llegado. Nadie les puede hacer sombra ahora mismo, absolutamente nadie, nadie puede interpretar su rock y nadie puede siquiera acercarse a componer algo como "Before the Frost...", por no hablar de "Amorica", el disco que los puso por encima del bien y del mal hasta el fin de los días. Y precisamente de esta obra maestra se dejaron caer un "Wiser Time" tocado tan bien, con tanto corazón, que en ese momento crearon pura magia. Qué diablos, crearon pura magia durante todo el concierto! Después de este tema, la banda se encaminó a unos momentos de puntual y acojonante jamming, a partir de una versión de "Poor Elijah" (que ya se la escuche a los North Mississippi All Stars de Luther Dickinson) siguiendo con una GIGANTESCA "Been a Long Time" (otro clásico atemporal de 1 año escaso!), una jam propiamente dicha, maravillosa, magistral y elemental (no entiendo a los que reniegan de esta faceta de los Crowes, joder, ¿cuál es el puto problema, es que acaso no tocan como los putos ángeles, es que acaso no es increíble cómo se entienden entre ellos y como disfrutan haciéndolo?) para acabar en el remanso de paz de "Thorn in my Pride" y recuperar poco a poco el aliento. Momentazo sublime. Descanso momentáneo ante lo que se avecinaba con la erupción de su ya archimítica relectura del "Hard to Handle" reddiniano, supongo que una de las pocas canciones que conocerian más de uno de los que estaban allí, si no la única por desgracia.

Vuelta a los viejos tiempos con esa gema imperecedera llamada "She Talks to Angels", qué os puedo decir que no sepáis. Momento de cerrar los ojos y dejar que la emoción te recorra de pies a cabeza. Estos tios son muy grandes. Como grande es el temazo que vino después, "No speak no evil", que en directo gana una barbaridad, una canción que escondida en la cara B del segundo disco ya anticipaba muchas de las cosas que vendrian después en el mundo de los Black Crowes, si sabéis lo que quiero decir. Y primer adiós de la noche, al que siguió una jauria humana clamando por la vuelta al escenario de Rich, Luther, Sven, Steve, Adam y Chris. Grande Finale apoteósico con una versión homérica de "Remedy" para el bis, ¿qué otra banda tiene semejante repertorio y mimbres? ¿Cuántas tiene además un "Remedy" para acabar el concierto?. Si ya, Stones, Kiss, Aerosmith... pero no es su momento, está bien que estén ahí pero los Cuervos acaban de editar algo sublime como "Before the Frost..." y ellos no.

Bueno, poco más me queda por comentar, quizás la increible destreza musical de los colegas, en especial del estratosférico Luther Dickinson, un tipo con clase, toque y distinción que hace lo que le da la gana, literalmente con las 6 cuerdas, aunque tengo que decir que me parecen horribles los cada vez más habituales comentarios comparándolo con Marc Ford, en los cuales a este último se le ningunea hasta unos extremos alucinantes. Dejadme que os diga que este señor está enfermo, es alcoholico y ha estado metido en todo tipo de asuntos desagradables, y ese tipo de comentarios, también habituales en la prensa y televisión de USA no le van a ayudar nada. Nadie sabe en que punto profesional estaria este tipo si no hubiera caido por esta pendiente, ahí tenéis "Harmony..." o "Amorica" para que al menos os de que pensar. En fin, tan buen show como los dos o tres mejores de mi vida. Las fotos que adornan el texo son de móvil, las tres o cuatro que hice ya que pasé muchisimo de llevarme una cámara y estar pendiente de hacer fotos buenas, cuando en el escenario se nos estaba haciendo un regalo sin precio. Hacia mucho tiempo que no veia un concierto que tuvieras tantas cosas que contar, y tan bonitas, y que merezca la pena recordar para siempre. Been a long time, for real.

Paul Weller - Wild Wood

2011-01-30T22:37:00.000+01:00

La carrera en solitario de Paul Weller ha sido el gran suceso del rock británico de los últimos 20 años, por encima de flores de un día, hypes más o menos afortunados o de (evidentemente) aquellas miríadas de bandas del brit-pop. Ha sido un completo éxito no solo artístico y musical, sino también personal. Me puedo imaginar a muy pocos tipos del negocio tan dignos de respeto como Paul, honestos e íntegros de pies a cabeza. Siempre preocupado por lo que firma bajo su nombre, la calidad de las canciones que ha ido entregando todos estos años evidencia un estadio musical superior, tan superior que incluso algunas de sus obras maestras deberían hacer sonrojarse a la comunidad negra entera, que parece haber abandonado definitivamente las enseñanzas de Curtis Mayfield, Marvin Gaye y compañía. Si escuchamos su disco de debut, parece que tuvo claro desde el principio hacia donde encaminarse (sobre todo en temas como "Into tomorrow", precursor de esos maravillosos cortes posteriores balanceados entre un sólido y duro soul y un fresco rhythm´n´blues de tinte negroide), aunque ésta su segunda entrega en solitario definitivamente es un gran paso adelante, tan grande que merece tildarse de obra maestra.

El disco comienza con un de los grandes clásicos de Paul Weller, "Sunflower", un vigoroso soul ácido vitaminado que toma prestado el pequeño arpegio introductorio de la canción "Dong With The Luminous Nose’ de Les Fleur de Lys. Aquí tenemos una buena muestra de la canción prototípica del inglés, un riff con músculo, sólida melodía principal y un estribillo con la suficiente garra para ser memorable y la necesaria limpieza para no llegar a cargar. A partir de la segunda canción, Weller muestra de golpe todo lo que ha aprendido a lo largo de los años. El tour se inicia con "Can you heal us (Holy man)", canción con mayúsculas de aroma Traffic, madura y repleta de matices. Ya no estamos ante el impetuoso joven que condujo a los Jam, ni al que buscaba distracciones en The Style Council, y si quedaba alguna duda, la siguiente en dejarse caer es la joya acústica "Wild wood", un nuevo triunfo, ahora del lado intimista y folk del genio de Woking. Bella y elegante oda. "All the pictures on the wall", precedida de uno de los interludios instrumentales que Paul acostumbrará a incluir en sus discos, supone un respiro de emociones tras la intensidad de los tres primeros números. El ecuador se cierra con dos prodigios del catálogo welleriano, "Has my fire really gone out?", provista de una melodia negra monumental donde el autor parece responderse a sí mismo con un final incendiario y Steve White desatado (el mejor bateria británico desde Bonzo???) y finalmente otra pequeña delicia folkie, "Country".

Pasado el ecuador, vuelven los aromas a los Traffic de Stevie Winwood con el brutal groove de "5th Season" y sus sencillos pero matadores arreglos de guitarra. En temas como este, uno se da cuenta además de lo jodidamente bien que canta este hombre. Sin respiro, sin que uno pueda recuperarse de tanta inspiración y feeling, le llega el turno a "The weaver", una de esas canciones que solo los grandes de verdad pueden interpretar con total credibilidad . A estas alturas de la película los términos superlativos hay que manejarlos con mucho cuidado para no llegar a desvirtuar el auténtico y real valor de "Wild Wood", pero me resisto a ahorrarme al menos uno para "Foot of the mountain", una auténtica obra de arte acustica donde el magisterio de Paul vuelve a obrar el milagro de llevarte a un tiempo y lugar indefinido y abstraerte del mundo durante 3 minutos y pico. Encarando la recta final encontramos a una heredera del espírutu de su disco debut, "Shadow of the sun", que a pesar de grandes detalles, me deja un tanto indeferente quizás por la falta de intensidad (en directo parece otra canción). Un reprise de "Holy man" conduce la aventura hacia el final, "Moon on your pyjamas", un correcto y bello broche de oro para un disco de aupa aunque claro, con Weller, White y el incomensurable Steve Craddock por medio, ¿qué puede salir mal?. Para terminar, permitidme que os recomiende las dos entradas a la obra de Paul que los colegas Dibud y Aitor dedicaron hace poco.

187

*

*

*

Guns ´N´ Roses - Appetite For Destruction

2011-01-16T20:57:00.000+01:00

Rios de tinta se han escrito ya sobre esta banda y este disco en concreto, así es que probablemente no alumbremos aquí nada que no haya salido ya en cualquier otro lado. Supongo que todo el mundo coincide en cuatro o cinco obviedades, por ejemplo que este disco es tan grande como cualquier otro diamante de la historia del hard rock (Zep, AC/DC, Thin Lizzy, etc), podriamos seguir diciendo que desde su aparición no ha salido nada realmente a la altura en el género y que además no sobra ni un jodido bending en todo el minutaje, y por supuesto se puede afirmar tranquilamente que el resto de grupos de la escena hard de L.A. son una broma al lado del poder, la electricidad y la excitación de "Appetite for destruction", un disco que nadie puede emular ni en caracter ni en sonido, ni siquiera sucesivas versiones de ellos mismos puesto que es la suma milimétrica de 5 tipos irremplazables.

Lo divertido viene después, cuando cada uno opina sobre el disco y/o la banda. Los Guns ´N´ Roses fueron desde el principio el proyecto de Izzy Stradlin y todavía hay personas que no acaban de captarlo: ni siquiera cuando Slash o Duff lo reconocen en alguna entrevista !! Es lo que yo llamo estupidez (y empacho de Popular 1). Pero obviamente no fue solo su mérito, de hecho todos juntos fueron la banda perfecta. Si, hacian rock duro, pero su actitud les hacía diferentes al resto, allí había una frescura heredera del rock sin concesiones de Aerosmith o AC/DC, la despreocupación natural por ser respetables de las bandas punks y unas ganas de divertirse al estilo de los Faces... ¿Como no amarlos? Ahí tenemos a la mejor combinación de riffs y guitarristas desde los mejores tiempos de Richards y Taylor ("Welcome to the jungle", "Outta get me", "Mr. Brownstone"... cualquiera), la mejor power-ballad de la historia ("Sweet child o´mine") o hasta una canción épica, excesiva y monumental y sin embargo molona como "Rocket Queen". Podian hacer cualquier cosa.

Luego llegó el final. No quiero entrar en debates estériles, pero la entrada de Matt Sorum y Gilby Clarke desnaturalizaron a esta banda hasta extremos para mi insoportables, el ideólogo y creador de los mejores riffs y el batería que aportaba el swing sustituidos por dos piezas de saldo alquiladas para la ocasión... ¿alguien cree que eso podría acabar bien? ¿alguien cree que acabó bien? Durante un tiempo la ilusión funcionó, ver a esa banda brillando en todo lo alto, gigantescos, una banda de rock de una magnitud global... la verdad, difícil no intentar conseguir un ticket para su show, pero luego te das cuenta de que algo se ha perdido por el camino, y que queda poco de genuino en la historia. En manos de Axl, la banda se convirtió en el proyecto de un loco megalómano pirado, de un talento mediocre para la composición (todo lo contrario si hablamos de interpretación) al que nunca le deberían haber dejado el control artístico del asunto en sus manos. La polémica está servida con solo pronunciar su nombre.

186

WAREHOUSE OF ROCK 2010 AWARDS

2010-12-27T12:34:00.000+01:00

Ya están aquí! Los Tradicionales Warehouse Of Rock Awards, en su 35ª Edición, llegan puntualmente a su cita anual de final de Año. En esta ocasión, la entrega de premios se celebrará en el Salón Federico II del Palacio Real de la capital sueca, donde a continuación todos nos daremos a la fiesta desenfrenada en el marco de la también tradicional "UNDERWATER CHASE AND FULL MOON PARTY" Enhorabuena a todos los premiados!

* Premio "Pleasant Dreams" a la Calidad y Excelencia Cósmico-Chispeantes:

WOODY JAGGER

* Premio "Drop Out" al mejor Blog Debutante y Vibración Kahuna:

GUITARRAS Y FANTASIA

* Premio "The Blues And The Abstract Truth" al Criterio Elevado:

RAGGED GLORY

* Premio "Shout at the Devil" a la Mejor Cocaina Virtual Glitter Sleazy on your face:

YO NO COMPONGO, YO NO COMPANGO

* Premio "Heartbreak Station" a la Aldea Irreductible rodeada de Romanos:

SAMMY PLAYS DIRTY

* Premio "The Last Command" al Feliz Descubrimiento:

BUNKER SONICO

* Premio "Regatta de Blanc" a la Frescura Femenina:

VIA TRIESTRE 19

* Premio "Live And Dangerous" a la Pasión Eléctrica y la Redención Homérica:

MOTEL BOURBON

* Premio "Raw Power" al Ritmo Cardiaco Acelerado Europeo y Toda una Institución:

SONS OF THE DOLLS

* Premio "Green River" al Trabajo Indómito Sin Descanso y Arqueólogo Musical del Año (Ex Aequo):

FOUR STRONGS WINDS... y TSI NAH PAH

* Premio "Fragments of a Rainy Season" al Artistazo Vivo y Coleante:

DU DUM DUM

* Premio "Even in the Quietest Moments" al Cálido Hogar y Refugio del Alma:

EL BAUL DE MI DESVAN

* Premio "King of the Delta Blues" al Permanente Sentido Comun y Adorable Compadre:

BLASROUTE 66

* Premio "Hihgway 61 Revisited" al Contenido Cualificado y Cualificante:

ROCK´N ´ROLL OUTLAW

* Premio "Led Zeppelin IV" a la Vison Rock Gran Angular:

INTERZONE ROCK

* Premio "Dejà Vú" al Mejor Blog Monográfico Sin Dudarlo y al Conocimiento Enciclopédico:

STILLS ALONE

* Premio "Gasoline Alley" al Dia que se Alegra y se Desparrama:

LULU ON THE BRIDGE

* Premio "Electric Ladyland" a la Princesa de los Cuentos de Grimm y ella con Esos Pelos:

INDIANDO

* Premio "Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band" al Rescate y Salvamento:

VIEJO ZAPATO MARRON

* Premio "Marquee Moon" a la Atalaya de la Armonia y de la Invención:

EL TORREON

*Premio "Lyseric Emanations" a la Herencia y los Colmillos

NOSOTROS SOMOS LOS MUERTOS

* Premio "Grace" a la Jungla del Sentimiento Efímero:

PINK MOON

* Premio "Appetite for Destruction" al Aullido Exhultante y al Barroquismo Inmisericorde:

MEGAMELOMANOS

* Premio "Super Session" al Remanso con Mayúsculas:

THE LAKE BAND

* Premio "Powerage" al Isleño del Año y la Vitamina Canaria:

LOS 3 MAS ROCKEROS

* Premio "Meat Is Murder" al Encantamiento

LA INSOPORTABLE LEVEDAD DEL SER

* Premio "Harvest Moon" a la Resurrección Apócrifa y Agnóstica:

ROCK IN RINGO

* Premio "Emergency Third Rail Power Trip" a la Actividad Cromática Relajada:

PETERPSYCH

Premio "Forever Changes" A la Mejor y Más Elegante LLegada al Polo Norte sin Oxigeno:

JUST... A DAY IN THE LIFE

Premio " Speak No Evil" al Humo, el Café y la Lluvia Rítmica más Genuinos:

TOXIC DECIBEL

Premio "Dark Side Of The Moon" a una Cosecha Deslumbrante 2011:

UNA HISTORIA DEL ROCK

Premio "Ace Of Spades" a la Supervivencia y Prevalencia ante los Elementos:

LA VIDA ES UNA MIERDA

Premio "Sticky Fingers" a la Utilidad Metafórica y Hermandad del Rock´n´Roll:

ROCK N ROLL MOTHERFUCKERS!

...y también

WAREHOUSE OF ROCK ROCK´N´ROLL COMPILATION

A Christmas tale for you all, guys...

2010-12-24T15:58:00.002+01:00

Mis queridos amigos y amigas, es Navidad. La Tierra se toma su merecido descanso y duerme durante todo el Invierno, mientras sus depredadores celebramos desde tiempo inmemorial el inicio de la fria estación. Os dejo este emocionante Cuento de Navidad de William S. Burroughs, narrado por él mismo. Ojalá todas las personas de buen corazón tuvieran siempre su merecido premio, como Danny the Car Wiper. Un beso a todo el mundo!!

THE JUNKY´S CHRISTMAS

The Cynics - Rock´n´ Roll

2010-12-01T17:00:00.000+01:00

¿Sabéis por qué me gusta tanto el rock de garage? pues por varias razones resumidas en una sola: cuando todo falla, es el último refugio, es el rock´n´roll mismo reducido a su máxima expresión (nótese el intencionado contraste de términos). Ni exhibiciones técnicas, ni un solo atisbo de desarrollo instrumental intelectual, ni poesía en las letras, solo un flujo de energia épica e inmediata y emoción desbordada, un rock´n´roll de Chuck Berry amplificado, apaleado y forzado a aparearse con los hallazgos más vitalistas de las bandas británicas de la primera mitad de los 60´s. Lo que suena es solo lo necesario, guitarras eléctricas y un ritmo contagioso, básico, cuasi cavernícola, y al mismo tiempo los suficientemente sensual y sexual para sacar fuera de la ecuación todo lo que huela a simplismo infantiloide. La llamada de la jungla, baby, la llamada que despierta los instintos más básicos y proporciona la satisfacción más inmediata.

Más o menos, el género se ha mantenido inalterable desde sus inicios hasta nuestros días y es el orgulloso origen de tremendas bestias como MC5, Stooges o más recientemente The Hellacopters. De todas maneras no es nada fácil hacer algo grande de unas premisas tan "limitadas", y ahí está el truco o gracia. Cuando sale bien, es glorioso, y en este punto llegamos a los protagonistas de la entrada, los Cynics de Pittsburgh y su obra maestra del género, subcategoria revivalista, "Rock´n´roll". Que album tan grandioso amigos, que clase tan suprema para destilar ese veneno atómico electrizante que hace recuperar la fe en la música del diablo.

Siempre lo digo, toda banda de garage respetable ha de contar con un gran cantante en sus filas, y los Cynics tienen a Michael Kastelic, compenetrado al máximo con sus compinches en la tarea de erupcionar bolas de fuego y destellos psycóticos en technicolor. "Rock´n´roll" mantiene la energia desde el principio hasta el final, y comienza como dios manda, con un trallazo de melodia memorable del calibre de "Baby what´s wrong?". La sucesión de temas es brillante y equilibrada, con un medio tiempo arrebatador ("Tears are comming") que se deja caer en el momento justo, piezas para apretar el acelerador a fondo diseminadas por todos los surcos ("You got the love"), o el infaltable temazo con riff de organo de escuela (en este caso esa bestialidad llamada "Way its gonna be") . Imprescindible.

185

Matthew Sweet - Girlfriend

2010-11-27T17:36:00.000+01:00

El bendito Power-Pop asoma su careto de nuevo por aquí, y con menuda pieza además. Servidor es extremadamente selectivo, porque suele ser un terreno peligroso donde a menudo se intenta dar gato por liebre y en el cual los indocumentados y advenedizos abundan (tanto en las filas del público como en la de los músicos), pero lo cierto es que algunos de los mejores albumes de la historia del Rock los han parido bandas como la de Matthew Sweet. Cuando está bien cocinado, cuando "power" quiere decir intensidad y fuerza motriz y "pop" es equivalente a melodias perfectas e infinitas y coros celestiales (y añado cuando la guitarra es la reina de la función), señores, entonces hay que rendirse sin remisión. Soy capaz de retirar la palabra a toda persona que hable mal de los Big Star en mi presencia, del mismo modo que cualquier desconocido pasará a ser mi amigo automáticamente si tiene buenas palabras hacia "Girlfriend".

He escuchado la obra anterior a este disco, y como al 95% de personal me parece bastante por debajo en cuanto a calidad, canciones, ambición y personalidad. Discos normalitos, canciones de factura discreta, algún atisbo de calidad... y de pronto, desde la oscuridad, emerge "Girlfriend" y sus destellos haciendo el mundo mejor y más bonito desde el lejano año 1991 en el que fue editado. Algunos músicos necesitan ese tiempo para econtrar lo que están buscando, y solo tienen a su propia fe para combatir el desaliento y las circunstancias adversas, porque esta música es una cuestión de fe, amigos, de creer y bendecirse con ella. Tembién es muy importante dar con músicos que capten la idea de modo que una química positiva y unas buenas vibraciones puedan darle ese algo más a las canciones. Y él lo hizo.

Mirando la nómina de guitarristas, aparte de lógicamente al propio Sweet, nos encontramos a Richard Lloyd, Robert Quine y algún detalle de Lloyd Cole. Para quedarse con la boca abierta, claro, si bien no son guitar heros al uso, en lo suyo son de los mejores: músicos absolutamente brillantes, fundidos con sus instrumentos, con un toque cálido y especial, y que en vivo (no se si habéis tenido oportunidad de ver a alguno de ellos) se crecen, se agigantan diría yo, entregando un sonidazo prodigioso capaz de convertir a mas fieles por minuto que el jodido Juan el Bautista. El disco suena inevitablemente con reminiscencias de los amos del invento, Big Star, y para que quede bien claro ahí tenemos la canción con la que se abre el disco, "Sunshine", con un pie en el "Revolver" de los Beatles y el otro en cualquiera de las gemas que dejaron Chilton y Bell en su disco de debut. Inútil resaltar una canción por encima de otra, porque todas son la puta hostia y aquí no sobra ni el más mísero acople. Para guardar junto a los tres de BS y lo mejor de los Posies y Teenage Funclub, Badfinger, Cheap Trick o Paul Collins Beat. Desde la foto de la carpeta interior del vinilo, Matthew apunta a la cámara con un dedo y dice "No tengas miedo de escucharlo a todo volumen!".. Hazle caso!

184

Screaming Trees - Sweet Oblivion

2010-11-13T08:30:00.000+01:00

Seattle, Sub Pop, Nirvana, camisas de leñador, Alice in Chains, Pearl Jam, todos conocemos la canción sobradamente. A algunos es lo que nos tocó generacionalmente, no vivimos el punk, no vivimos Woodstock ni vivimos el rock 70´s, vivimos el "grunge" y su relevo y antítesis, el "brit-pop". Durante aquellos años, lógicamente sucedieron otras cosas (por ejemplo Jeff Buckley), pero es evidente que hubo un movimiento nuevo y potente, no revivalista, quizás el último movimiento rockero que ha movido masas para bien o para mal. En el lado positivo, podríamos anotar que hubo una cierta explosión de creatividad contagiosa, y en el negativo que dejó poco espacio para otro tipo de bandas. Tuvo sus reyes y reinas, y también sus perdedores. Screaming Trees perdieron profundamente, sin misericordia, obligados a separarse por falta de ventas tras más de una década batiéndose el cobre.

Escuchen esta banda con la persepectiva del tiempo. Cierto, parece increíble que toda esta potencia emocional no disfrutara de más presencia en el mundo, ni mereciera más atención de los medios, pero no podemos reescribir la historia amigos. De todas maneras, ahí están sus discos. Solo un necio podría pasar por alto una de las voces más personales y magnéticas del rock´n´roll, Mark Lanegan. Qué voz! Sus registros, impecables: susurros cavernosos estremecedores, una intensidad media pulsante y clara y una potencia proyectada con color y desgarro. De fondo un par de hermanos tamaño king size, Gary Lee y Van Conner a la guitarra y bajo respectivamente, insobornables e irreductibles, unos músicos increíblemente dinámicos e imaginativos que se movian como pez en el agua en terrenos garageros y derivados, y que tonalmente hablando hicieron una sociedad perfecta con el timbre de Lanegan. Y este par además sabia hacer buenos coros!!!

"Sweet oblivion" vio la luz en 1992 y pareció haber captado la atención de todo el mundo, pareció que los Trees iban a disfrutar de cierta posición el tiempo que durase su carrera pero canciones tan tremendas como "Nearly lost you", "Shadow of the season" (grunge de libro!) y tan rematadamente bonitas como "For celebrations past", Winter song" o "No one knows" (esta última con un agradecido aroma "Quadrophenia"), no fueron suficiente. Al final, lo único cierto es que fueron una banda memorable, una banda para escuchar a buen volumen y perderse en un profundo bosque literario y sónico a salvo de la cotidaniedad de los días, que es para lo que debe servir el rock´n´roll entre otras cosas.

182

Happy Halloween, dudes!

2010-10-31T17:08:00.000+01:00

Iron Butterfly - In-A-Gadda-Da-Vida

2010-10-30T00:13:00.000+02:00

Este disco se tendría que haber llamado "In the Garden of Eden", pero cuando el batería preguntó a Doug Ingle como se iba a llamar la pieza que acababan de registrar, el tipo estaba en pleno éxtasis lisérgico y solo alcanzó a balbucer unas palabras que alguién de la sala se limitó a anotar en un papel tal cual las oyó. Le debió de parecer un título de lo más normal, porque el colega no le preguntó a nadie. La pieza que da título a este album, la celebérrima oda ácida de 17 minutos que hizo famosos a los Butterfly, es una pieza arquetípica del proto heavy-metal que se cocinó durante aquellos días. Puede que para nuestros oidos ya esté un poco trillada, pero lo cierto es que el riff es jodidamente brillante y poderoso, 12 notas que exhiben con orgullo un lenguaje completamente nuevo que acabaría por cambiarlo todo.

Pero aquí hay más, amigos, mucho más. De hecho hay toda una cara A con piezas del calibre de "My mirage" o la incial "Most anything you want", donde todas las virtudes de la mejor formación de la historia de la banda se destapan una tras otra, en medio de una orgía de creatividad pura sin ataduras ni rigideces estructurales. Mención especial para el talento de Erik Brann, un guitarrista acojonante que grabó este disco con tan sólo 17 años y que no supo materializar una carrera profesional posterior más allá de algunas reuniones setenteras de la banda, privando al mundo de un ingenio natural casi excesivo. Parece que hay unas demos que grabó en solitario para MCA Records que son la hostia, pero servidor no a tenido el placer de escucharlas. Bueno, de hecho todos los músicos que tocan en este album son fantásticos, aunque no duraron juntos mucho más tiempo.

El destino descargó un auténtico mazazo sobre el futuro del grupo el dia que el helicóptero que les tenía que transportar al mítico Woodstock para ofrecer una de las actuaciones principales no apareció, dejándoles tirados en un aeropuerto colapsado, irritados, discutiendo entre ellos e incluso llegando a las manos. Debió de ser un momento jodido, está claro. El grupo se deshizo tras la edición del siguiente album, "Ball", curiosa y probablemente su trabajo más fino y cósmico. Las nuevas adquisiciones de Ingle no consiguieron aportar lo necesario para que aquello funcionase realmente, aunque conseguirian grabar algunos notables temas sueltos como "Butterfly blue" o "Stone beliver".

181

150.000 visitas y pico!

2010-10-12T00:58:00.001+02:00

Bueno, os confieso que jamás imaginé que este blog llegara a tal número de visitas, sobre todo por mi artrítico ritmo de publicación (en contraposición a titanes del bloggworld como TSI, Günner o Nortwinds). En realidad 150.000 visitas son tan importantes como 20.000, 40.700, 300 o 17, solo quería agradecer a todos los que leéis el blog y/o comentáis en él el tiempo que dedicáis a Warehouse of Rock. Me gustaría pasar más por vuestras casas, pero a veces me falta tiempo material para hacerlo.

...

A partir de ahora, habrá un pequeño cambio: después de pensarlo durante un tiempo, he decido no publicar links para los discos, si alguien está interesado puede pedirlo no obstante en los comentarios, y veré lo que se puede hacer (sorry for the upset India, no more orange clicking! he he he). Pues nada más, amigos, buenas noches y gracias de nuevo! Besos y abrazos, y alcohol y rock´n´roll.

Cheers!!

Joanna Newsom - The Milk-Eyed Mender

2010-10-09T18:14:00.004+02:00

Bueno, supongo que la Newsom no le gustará a todo el mundo. Al fin y al cabo, ni siquiera "Exile on Main St." o "Fun house" lo han conseguido, e incluso hay capullos que consideran "Los 7 samurais" o "Das boot" o "Master and Commander" películas aburridas, pero lo cierto es que mi querida Joanna es única y especial. La pongo en el blog principalmente porque su música me gusta, pero también por ser una artista a su bola en sentido estricto, absorta en su mundo de notas y colores cuando interpreta música, una música transgresora por si misma sin necesidad de patéticos personajes donde apoyarse como el triste caso de Lady Gaga, autora de "canciones" absolutemente irrelevantes y de consumo, pura y demencial basura sónica al servicio de un frikismo antinatural, calculado y mercantilista que hace las delicias de snobs, despistados, quinceañeros/as impresionables, Alaskas de turno y demás fauna pasto de las tendencias. Yo siempre preferiré "the real thing".
.

¿Se puede hacer música psicodélica con solo voz y arpa? Juzguen ustedes mismos. Yo creo que si, que en efecto este psycho-folk nunca visto hasta ahora traído por esta especie de bardo femenino es muy capaz de llevarte un poco más allá a través de un canto lisérgico y de un instrumento antiquísimo como el arpa, al servicio de varias civilizaciones europeas antes de pasar a su versión de concierto, un ingenio musical de tintes mágicos que solo podía ser tañido por los druidas-bardos más puros cuando los celtas pisaban estas y otras tierras. Y luego tenemos el tema de las letras y de la peculiar entonación de Joanna Newsom, todo un aparente contraste entre la madurez de las primeras y la ingenuidad de la segunda, aunque en realidad esta entonación le debe bastante ni más ni menos que a la música tradicional de los indios navajos!
.

Este disco fue el primero grabado en solitario tras pasar por el combo de Will Oldham. Es más primitivo y menos pulido que su segundo disco, el tremendo y magistral "Ys", arreglado por Van Dyke Parks y donde pasó de estas pequeñas canciones oníricas a temas de hasta 12 o 16 minutos acompañada por otros músicos de una manera elegantemente discreta. Su forma de cantar también se hizo más suave y menos áspera, porque la verdad es que la primera vez que se oye este disco digamos que choca un poco, pero bueno, es lo que hay. Este año tenemos nuevo y triple disco, que ya viene de camino a casita, y que según lo que he escuchado... puede ser su obra maestra!

180

The Jam - In the City

2010-10-03T10:26:00.002+02:00

Uno de mis discos favoritos, una de mis bandas favoritas, quizás no es mejor que "All mod cons" pero el primer contacto con la música de Paul Weller no se olvida nunca. Surgidos en plena vorágine punk sus letras inteligentes, su imagen impecable y su forma realmente espectacular de tocar les distanciaron de toda aquella pléyade de amargados inútiles en apenas lo que dura este disco. Desde luego en sus inicios compartían atributos con los punks, claro, tenían toda la urgencia del mundo, su sonido era inmediato y su actitud en el escenario visceral y juvenil, pero a diferencia de ellos en su background se encontraban tipos como Otis Redding, Curtis Mayfield, las Ronettes o Wilson Pickett y su alma de mods les impedía vestir de forma tan desastrada. Pero ojo, no eran hermanitas de la caridad, a Paul Weller le faltó tiempo para ir a buscar a Johnny Rotten y romperle una botella en el cuello cuando los Pistols le robaron el riff de "In the city" para su "Holydays in the sun". De hecho Juanito el Podrido lució durante algún tiempo una cadena con candados para disimular el estropicio!
.

Paul Weller siempre supo que tras Small Faces, The Kinks y los Who estaba la verdad y nunca comulgó con el oscuro slogan "no future", de modo que se convirtió en un mod de pro, y a base de guitarrazos y de un auténtico filón de canciones brutalmente buenas hizo resurgir el movimiento y dotarlo de una espléndida segunda juventud. Con un album brillante tras otro y el lenguaje de la banda en continua expansión, recorrieron el camino que va desde el puñetazo en la cara de "Art School" al terciopelo soul de "A town called malice" con dignidad, honestidad y compromiso working class, y además lo dejaron en lo más alto, cuando eran los jefes y Weller consideró que ya no podían ir más allá juntos. El cadáver de The Jam huele bien, suena bien, es bonito y está bien vivo.
.

Tras los Jam, Paul montó The Style Council, para mi gusto bastante menos brillantes aunque con el tiempo uno sepa apreciar algunas de las canciones que dejaron, como "A solid bond in your heart" o "Walls tumbling down", claro que cualquier posible pecado está perdonado más que de sobras con lo que vino después, probablemente una de las carreras en solitario más deslumbrantes de la historia de la música rock, con sobresalientes picos como los albumes "Wild wood" o el más reciente "22 dreams" (... "empty ring es tan increíble!!). Este disco, "In the city", es fantástico. Se abre como un huracán y se cierra a la manera de los Who, con un "Bricks and mortar" dominado por un estribillo inglés marca de la casa. En medio, canciones realmente bellas e inspiradas como "Away from the numbers", desplantes chulescos en "I´ve changed my address", demenciales lecturas de clásicos como "Slow down" o "Batman theme", himnos generacionales e imponentes de la talla de "In the city", bonitos medios tiempos evocadores de lo mejor de los Kinks o Small Faces en "Sounds from the street" y hasta invitaciones al baile como "Non-stop dancing". Solo puedo decir que los amo.

189

La Portada de "Black Sabbath"

2010-09-22T21:01:00.006+02:00

Ya que me voy a cargar un blog completamente desatendido por mi parte para comenzar otro radicalmente diferente mientras continuo con Warehouse Of Rock, he decidido importar una de las dos únicas entradas publicadas en la friolera de dos años para que no se pierda.

El primer disco de Black Sabbath, llamado igual que la banda, fue lanzado el viernes 13 del mes de febrero del año 1970. Ozzy y los chicos habían tomado el nombre del grupo del título de una película protagonizada por Boris Karloff y dirigida por Mario Bava en la década anterior. Supongo que pocas cosas tan impactantes se podían experimentar en la época como poner este vinilo en el giradiscos mientras, con la portada entre las manos, los ojos se centraban en la misteriosa figura desdibujada de la mujer. Antes de las primeras terribles notas de Iommi, lo primero que oímos es el sonido de la tormenta y unas campanas doblando a difuntos, que multiplican el efecto sobrecogedor de la imagen de la dama que sostiene un gato negro delante del caserón. Parece que nos hubiera estado esperando allí desde siempre, pacientemente, sin perder su eterna mueca fantasmal, dispuesta a conducirnos a lo profundo del bosque...

La escena de efecto irreal de la portada, su sutil mezcla de elementos que hacen que la imaginación se dispare hacia oscuros recovecos del cerebro, alimentó varias leyendas que básicamente atañen a sus dos figuras centrales, la señora de negro y el caserón que se yergue a sus espaldas. Este último no es (lo siento) ninguna casa misteriosa y embrujada, donde se cometieron horribles crímenes en la antiguedad, ni un lugar imposible de localizar... es el molino de Mapledurham, Berkshire, Inglaterra, de hecho el único molino en activo de todo el Támesis. Se llega facilmente desde Reading en dirección Pangbourne, primer desvío a la derecha siguiendo las indicaciones sobre Mapledurham House, puesto que se halla en esta propiedad. Se puede comprar hasta harina de la que muelen allí, y la visita guiada cuesta alrededor de 8 libras, algo caro me parece pero bueno, ya que uno se ha tomado la molestia de ir pues nada, no deja de ser interesante. Se aparca sin problemas a escasos metros, junto a la orilla del río. Obligado acudir si andáis cerca, recomiendo el hotel The Elephant en Pangbourne, al lado del Támesis, en el caso de que decidáis pasar algunos días por la zona. También se puede ver el molino en una escena de la película "The eagle has landed", ambientada en la II Guerra Mundial, durante la cual un paracaidista alemán salva la vida de una joven lugareña y en la serie "Midsomer murders", donde aparece en la presentación.

Sobre la figura de la mujer, en cambio, si que persiste el misterio todavía. Evidentemente no es una bruja, ni tampoco es cierto que no estuviera allí cuando se hizo la foto, apareciendo posteriormente en el revelado. No existe una versión oficial y contrastada sobre la identidad de esta chica, ni siquiera los propios Sabbath tienen alguna pista, según Bill Ward: “No recuerdo a ninguna mujer, vivíamos drogados las 24 horas del día. . .” De puta madre, Bill.

Lo único que se sabe es que la foto es de Marcus Keef, artista que había contratado la compañía de discos y que haría también las dos siguientes portadas. A veces se ha comentado que la mujer es una chica de la zona que estaba allí cuando el fotógrafo disparó, y simplemente quedó bien después de tratar la fotografía, pero parece más razonable la versión de Pete Sarfas, periodista y jefe de la Black Sabbath Appreciation Society, el cual me indicaba en un email que respondió amablemente que es una actriz que se contrató para la ocasión, cuyo posible nombre era Louise. Según el mismo tipo, la modelo conoció a los chicos meses después, aunque ninguno recuerda nada. El caso es que nadie sabe concretamente la identidad de la misteriosa dama, y hasta el momento ni ella misma ha hecho nada al respecto... lo que explicaría que como algunos sostienen murió accidentalmente el mismo año 1970. Cuanto menos curioso. Quizás la única persona que pudiera saber algo concreto sea el propio fotógrafo y diseñador de la portada, pero hace un tiempo incluso intenté localizarlo y no encontré nada, algo que me llevara a una web, teléfono, dirección, nada, ni rastro... es más, abundan los intentos de búsqueda infructuosa. Tengo un amigo que dice que el propio Markus Keef está tras su desaparición y por eso ha desaparecido del mapa!!!
.

Hay casos documentados de ataques de pánico en adolescentes de la época que no conseguían quitarse de encima la imagen de la portada, pasando noches enteras en vela, en estado de completa ansiedad, incluso algunos mindundis impresionables huyeron espantadas durante los conciertos de la banda por aquel entonces al encontrarse en vivo la música que enlataba la famosa foto. Por propia experiencia, todavía puede provocar más de un escalofrío... La conjunción entre elementos reales y los que despierta el cerebro han convertido esta portada en algo mítico y arcano, realmente especial, sin duda una de las mejores de la historia del rock.

Jimi Hendrix - Electric Ladyland

2010-09-18T10:20:00.005+02:00

Podríamos reducir la historia de la guitarra eléctrica tranquilamente a la obra de tres tipos. Tres originadores que produjeron unas determinadas estructuras, sonidos, técnicas, trucos de escenario, etc que cambiarían notablemente la historia del instrumento y en consecuencia la del rock´n´roll mismo. Chuck Berry, Jimi Hendrix y Van Halen son sus nombres. No quiero decir que no haya otros guitarristas fundamentales de alguna manera, o que incluso nos gusten más que ellos, pero todos fueron originados en el ojo del huracán de esta Santísima Trinidad dependiendo del momento que les tocó vivir. Jimi es el que faltaba por aparecer en Warehouse Of Rock y lo hace hoy, 18 de Septiembre, justo 40 años después de su muerte, aproximadamente un mes antes que la protagonista de la anterior entrada, Janis Joplin.

Hendrix fue un negro que tuvo los oídos y los ojos bien abiertos hacia la música y la cultura blanca (especialmente Dylan y sus letras) al mismo tiempo que ejerció de afroamericano militante curtiéndose con algunos de los más grandes durante toda su juventud. El blues, el soul, o cualquier otra manifestación musical de su comunidad no tenía, sencillamente, ningún secreto para él cuando decidió coger las riendas de su destino y plantarse en Londres. Llegó y arrasó con toda la escena, la esponja Hendrix se había empapado hasta de las más mínimas referencias folkies y el resultado fue espectacular. Podemos resumirlo todo como blues alucinado, un grito primario originado en el albor de la humanidad al que Jimi Hendrix sometió a tremendas escaladas y vibraciones, a unas violentas espirales de inspiración, libertad y locura, un viejo blues leido con un nuevo lenguaje visionario, observado a través de una mente que las drogas y el uso del intelecto habían expandido hasta otros límites. Verdaderamente peligroso, eso de que la gente vea de pronto otra realidad ante sus ojos, y abandone el rebaño, la jornada de 08:00 a 18:00 y las actitudes conservadoras. (Según el compañero Günner, para la CIA era peligroso en exceso)

Toda la experiencia, ambición, creatividad y ansia de perfección de Jimi confluyeron en "Electric Ladyland", y en esta ocasión había además el suficiente dinero para poder comprar tiempo en el estudio. La razón de que haya tanto material del guitarrista en circulación se debe a la cantidad de horas de grabación que desechaba hasta que no estaba contento y satisfecho con su música, este tio no era bueno por casualidad. No paraba de tocar, no paraba de componer, de grabar, desyunaba con la stratocaster colgada del cuerpo, y volvía a hacerlo todo de nuevo día tras día. En este disco, traspone a música todo lo que pasa en el interior de su cerebro, literalmente. Hay de todo, unas canciones impregnadas tanto de detalles como ese susurro de wah wah que precede al riff principal de "Voodoo Chile" como de músculo, pequeñas anotaciones de blues o los más variados experimentos, epopeya e intimidad, sencillez o intrincadas estructuras, y TODO funciona. La obra de un genio.
188

Janis Joplin - "Pearl"

2010-09-12T08:31:00.006+02:00

Janis Joplin, amigos. Nadie cantaba como ella, y presumiblemente nadie volverá a hacerlo. También será muy difícil que otra cantante encuentre una mala suerte como la suya, y es que su prematura desaparición a los 27 años no puede ser más terrible y su carrera lamentablemente breve. En 1966 viaja a San Francisco para unirse a una banda de renombre en la ciudad, Big Brother and the Holding Company. En menos que canta un gallo, había echo suyo y transformado el "sonido San Francisco" con su estilo de blues elevado a fuerza de rock´n´roll y coloreado con su soul único. El impacto local de la banda, amplificado por los focos concentrados por aquella época en la ciudad, les otorgan un pasaporte para el festival de Monterey donde bueno, simplemente seducen a todo bicho viviente. A la fama mundial instantánea y los discos de oro le sucede un momento de reflexión acerca del estrellato y planta a los Big Brother.

El siguiente movimiento fue contratar una banda y embarcarse en una gira europea. Poco se comenta del disco que grabó con estos muchachos, "I got dem ol´kozmic blues again, mama!", y sin embargo es una jodida maravilla, aunque finalmente la relación con ellos se deterioraba cada día, y algunos de sus shows fueron lamentables a causa del alcohol y las drogas. En un momento de lucidez, acaba con la banda y se larga de viaje, un viaje que la transforma y la aparta de los excesos. A la vuelta, con la ayuda de Albert Grossman monta la que fue sin duda su mejor banda y cumple su sueño de grabar un disco con Paul Rothchild a los controles. La banda se llamará "Full Tilt Boogie" y después de consultarlo con los chicos ella se queda el sobrenombre "Pearl", con la idea de grabar el siguiente disco como Pearl and the Full Tilt Boogie.

Antes de grabar, hizo algunos conciertos con la banda y parece que nunca la vieron tan feliz como entonces. Después, Janis dió lo mejor de si misma en el estudio, cantó como nunca, adquirió técnica vocal instruida por Rothschild al detectar que estaba quemando su voz y el resultado fue espectacular. Un tema propio brutal abre el disco, "Move over", emoción desbordada a continuación en "Cry baby", los pelos de punta con su versión de "Me and Bobby McGee", etc, etc, etc. Y con el disco casi terminado, la encuentran muerta en la habitación de un motel. Pura mala suerte, decidió colocarse un poco, excepcionalmente, y algo, algún detalle, lo que sea, fue sencillamente mal. Sobredosis accidental y adiós a una cantante gigantesca, en un instante se esfumó una mujer que había encontrado finalmente su camino, con una banda a sus pies que la respetaba y la seguía. Ahora ya sabéis por qué este disco se llama "Pearl".
187

Dave Kusworth And The Tenderhooks - Like Wonderland Avenue In A Cold Climate

2010-09-05T17:49:00.005+02:00

Hoy hablamos de otra de las bandas que lideró Dave Kusworth, de modo que media entrada está hecha ya que la anterior estuvo dedicada a los Bounty Hunters y entre comentarios y el propio texto le dimos un repaso más que suficiente al significado de un rockero como el señor K. Bueno, la verdad es que cada proyecto que ha emprendido tiene unas connotaciones diferentes y siempre te puedes tirar un buen rato hincando el diente en los entresijos de sus difrentes discos.

Los Tenderhooks tienen probablemente una cara más "ambiciosa" que los Hunters, y la maestría de Kusworth se concentra en la composición y elaboración de las canciones de una manera totalmente sorprendente, porque me parece increíble que canciones como "It comes and it goes" o "How come I always dream about you" no estén en un jodido altar y sus autores elevados a categorias superiores de respeto, admiración y éxito al menos entre el rockerío más o menos militante y minimamente ilustrado. Las letras son admirablemente sencillas y honestas, las melodías perfectas, los estribillos enormes, los arreglos cocinados al dente, la mezcla de guitarras acústicas con eléctricas una jodida maravilla como siempre. Dave Kusworth jamás ha traicionado al rock y ha mantenido la actitud en todo momento, ¿qué más necesita hacer para ocupar el lugar que merece? ¿Quizás tendrá que palmarla para ser adorado como mito maldito?.

Predominan los medios tiempos, tal como el bucólico título hace presagiar, un título que invita a refugiarse en el calor de las canciones, a abstraerse del frío exterior y los problemas y reencontrarse con todo un universo de emociones. La inicial "It comes and it goes" ya avisa de todo el potencial que encierra esta banda, probablemente la canción que llevan años buscando los Rolling Stones, una de las principales influencias que discurren por esta Avenida del País de las Maravillas, junto a dosis justas de Gram Parsons, Big Star, Ian Hunter, o el viejo Neil. Qué grandeza en "The right track" o "How come I always dream about you", qué frescura la de "Another blonde" con esas guitarras calientes evocadoras de los mejores momentos de Richards/Taylor... o ese temazo al estilo del mejor Ronnie Wood titulado "All I´ve got left", o el pelotazo vitamínico y fiestero de "A real girl" (majestuosas guitarras y Hammond). Joder, ¿y "Are you the girl"? ¿Os acordáis de aquellas pequeñas perlas que solía hacer Brian Jones con los Stones, como "Play with fire"? Pues aquí tenéis el espíritu del jodido rubio loco. Junto a "Robespierre´s Velvet Basement" que grabó con su compinche Nikki Sudden, lo mejor que ha grabado hasta ahora Dave. Un absoluto 10 in your face.
186

The Bounty Hunters - Threads: A Tear Stained Scar

2010-08-29T15:32:00.004+02:00

Escuchar cualquier cosa en la que ande metido Dave Kusworth me produce un placer absoluto. Si además está especialmente inspirado, entonces me aproximo al delirio. El exquisito guitarrista y cantante inglés tiene una encantadora manera de embaucar al personal exhibiendo su hedonismo y malditismo auténticos, su rock´n´roll nocturno sin concesiones al abrigo de alguna botella de licor y alguna chica, sus increíbles y preciosas baladas que dejan en un pozo de mierda a sobreproducidos y patéticos intentos de conmover como "November rain". Si, todo esto tendría que bastar para que este tipo disfrutara del status de los grandes, pero el caso es que el amigo Kusworth vive otra realidad: disfruta de credibilidad y seguidores irredentos pero nunca pondrá los pies en el Rock and Roll Hall of Fame.

The Bounty Hunters fue la banda que emprendió nuestro querido Dave tras su primera sociedad con Nikki Sudden en los Jacobites (imprescindibles, si me queréis hacer caso), pero antes ya había subido a los escenarios con TV Eye, Ragdolls y la primera formación de los Dogs D´Amour, con Tyla a la guitarra y Ned Christie aka Robert Stoddard a la voz (un tipo tristemente perdido para la causa: escuchad "Teenage"). Por si fuera poco, en el haber de este músico hay que colocar al menos otra obra maestra a cargo de otra de sus bandas, los Tenderhooks y su "Like Wonderland Avenue in a cold climate", puede que su mejor disco. En fin, el tipo ha tocado en algún u otro momento de su vida con los rockeros ingleses más genuinos desde los Faces !!!

Dave no es Rod Stewart, su voz no es potente ni su timbre colorido, su técnica mínima, y sin embargo suple todas sus carencias con ese algo que tienen uno entre un millón. Posiblemente sus canciones no funcionarían en boca de otros, en realidad no tiene sentido siquiera planteárselo porque nadie las podría interpretar de esta manera. La gente se escandaliza ante la última reencarnación de los Faces por el hecho de que Mr. Hucknall es el vocalista, pero yo prefiero escandalizarme porque la gente que pierde el tiempo con este asunto no va a ver a Dave Kusworth cuando toca en su ciudad (o en la de al lado). También hiper-recomendado otro aldabonazo de los Cazadores de Recompensas de Dave Kusworth, "Wives, weddings and roses".
185

Moon Palace Vol. V

2010-08-28T10:30:00.000+02:00

Entrada programada n0. 5

"Había llegado al fin del mundo, más allá no había nada más que aire y olas, un vacío que llegaba hasta las costas de China. Aquí es donde empiezo, me dije, aquí es donde mi vida comienza. Me quedé en la playa largo rato, esperando a que se desvanecieran los últimos rayos del sol. Detrás de mí, el pueblo se dedicaba a sus actividades, haciendo los acostumbrados ruidos de la Norteamérica de fin de siglo. Mirando a lo largo de la curva de la costa, vi cómo se escondían las luces de las casas, una por una. Luego salió la luna por detrás de las colinas. Era una luna llena, tan redonda y amarilla como una piedra incandescente. No aparté mis ojos de ella mientras iba ascendiendo por el cielo nocturno y sólo me marché cuando encontró su sitio en la oscuridad."

El Palacio de la Luna

Paul Auster

01 Fire - Father´s name is dad
02 Kaleidoscope - Nursey, nursey
03 Rainbow Ffolly - Sighing game
04 The End - Carboard watch
05 Syd Barrett - Octopus
06 T Rex - She was born to be my unicorn
07 Mayfly - Blue sofa
08 Acid Gallery - Dance round
09 Caravan - Policeman
10 Gandalf the Grey - The grey wizard am I
11 Mick Softly - You go your way, I´ll go mine
12 Kevin Ayers - Eleanor´s cake (which ate her)
13 Linda Perhacs - Chimacum rain
14 Skip Bifferty - Jeremy carabine
15 Motherlight - The lens
16 Sunforest - Peppermint store
184

Moon Palace Vol. IV

2010-08-22T12:00:00.000+02:00

Entrada programada no. 4

"En 1899, puede que fuera 1900, Tesla se fue a Colorado Springs y montó un laboratorio en las montañas para estudiar los efectos de los relámpagos. Una noche, se quedó trabajando hasta tarde y se le olvidó apagar el receptor. La máquina empezó a captar ruidos extraños. Estática, señales de radio, vaya usted a saber. Cuando Tesla les contó la historia a los periodistas al día siguiente, afirmó que esto demostraba que había vida inteligente en el espacio exterior, que los malditos marcianos le habían hablado. Lo crea o no lo crea, nadie se rió cuando dijo eso. El propio Lord Hawthorne escribió un artículo sobre Tesla en una revista nacional. Decía que la mente de Tesla era tan avanzada que no era posible que fuera humano. Había nacido en otro planeta (Venus, creo que era) y había sido enviado a la Tierra en una misión especial para enseñarnos los secretos de la Naturaleza, para revelar al hombre los caminos de Dios."

Paul Auster

El Palacio de la Luna

01 Elvis Costello - Miracle man
02 Bad Detective - Favorite records
03 Rockpile - If sugar was as sweet as you
04 Joan Jett and the Black Hearts - Don´t abuse me
05 The Human Beinz - Nobody but me
06 MC5 - Sister Anne (alternative version)
07 Jason and the Scorchers - Absolutely sweet Marie
08 The Creeps - Down at the nightclub
09 Badfinger - Baby blue
10 Ernie Graham - So lonley
11 Ananda Shankar - Jumpin´ Jack Flash
12 The Smithereens - Only a memory
13 The Strollers - Won´t stand it
14 The Monarchs - Yer movin´ on
15 Kevin K and the Real Kool Kats - Addiction
16 Iggy and the Stooges - Gimme danger
183

Moon Palace Vol. III

2010-08-18T09:15:00.000+02:00

Entrada programada no. 3

"Noté en la boca el sabor de la mortalidad y en ese momento comprendí que no viviría eternamente. Se tarda mucho en aprender eso, pero cuando finalmente lo aprendes, todo cambia en tu interior, ya nunca vuelves a ser el mismo. Yo tenía diecisiete años y de pronto, sin la menor sombra de duda, comprendí que mi vida era mía, que me pertenecía a mi y a nadie más.
Estoy hablando de libertad. Una sensación de desesperación que se hace tan grande, tan aplastante, tan catastrófica, que no tienes opción más que la de ser liberado por ella. Es la única opción, porque de no ser ésa, te arrastrarías a un rincón y te dejarías morir"

Paul Auster

El Palacio de la Luna

01 Tim Hart & Maddy Prior - Lish young buy-a-broom

02 Ronnie Lane - G´morning

03 Tudor Lodge - It all comes back to me

04 Davey Graham & Shirley Collins - Nottamun town

05 Anne Briggs - Blackwater Side

06 Owl - Upon the wings of Gabriel

07 Crosby Stills Nash & Young - 4+20

08 The Pentangle - The trees they do grow high

09 Cat Stevens - Into white

10 Rod Stewart - Only a hobo

11 Billy Nichols - Come again

12 Shandy Deny - Sweet Rosemary

13 Deena Webster - The last thing on my mind

182

Moon Palace Vol. II

2010-08-12T09:30:00.003+02:00

Entrada programada no. 2

"Intentaba separarme de mi cuerpo, eludir mi dilema fingiendo que no existía. Otros habían recorrido ese camino antes que yo y todos habían descubierto lo que yo acabé descubriendo por mí mismo: la mente no puede vencer a la materia, porque cuando se le pide demasiado, demuestra rápidamente que también ella es materia. Para elevarme por encima de mi circunstancia tenía que convencerme de que yo ya no era real y el resultado fue que toda la realidad empezó a oscilar ante mi. Cosas que no estaban allí aparecían de repente ante mis ojos y luego se desvanecían."

El Palacio de la Luna.

Paul Auster

01 Bessie Smith - Midnight blues

02 Blind Willie McTell - Searching the desert for the blues

03 Leadbelly - New York City

04 Big Boy Crudrup - Raised to my hand

05 Brownie McGhee - Back door stranger

06 Bukka White - Bukka´s kitterbug swing

07 John Lee Williamson - Check up on my baby blues

08 Kokomo Arnold - Fool man blues

09 Lightnin Hopkins - Blues (that mean old twister)

10 Big Bill Broonzy - How you want to be done

11 Blind Boy Fuller & Sonny Terry - Sweet woman

12 Joe Turner - It´s the same old story

13 John Lee Hooker - War is over

14 Mississippi John Hurt - Spike driver blues

15 Muddy Waters - I be´s so troubled

16 Sleepy John Estes - Hobo jungle blues

17 Robert Johnson - From four ´til late

18 Memphis Minnie - Moonshine

19 Jimmy Yancey - The Fives

181

Moon Palace Vol. I

2010-08-07T09:00:00.009+02:00

Entrada programada no. 1

"Yo había saltado desde el borde del acantilado y justo cuando estba a punto de dar contra el fondo, ocurrió un hecho extraordinario: me enteré de que había gente que me quería. Que le quieran a uno de ese modo lo cambia todo. No disminuye el terror de la caída, pero te da una nueva perspectiva de lo que significa ese terror. Yo había saltado desde el borde y entonces, en el último instante, algo me cogió en el aire. Ese algo es lo que defino como amor. Es la única cosa que puede detener la caida de un hombre, la única cosa lo bastante poderosa como para invalidar las leyes de la gravedad"

El Palacio de la Luna.

Paul Auster.

01 The Faces. Ohh la la!
02 J. J. Cale. I´ll be there (If you ever want me)
03 Eric Clapton - Let it rain
04 David Bowie - In the heat of the morning
05 Electric Prunes - Onie
06 Pink Floyd - A pillow of winds
07 Ronnie Wood - Breath on me
08 Ry Cooder - Maria Elena
09 The Young Rascals - Groovin´
10 Keith Richards - Cocaine blues
11 Gene Clark - Strength of strings
12 Nick Drake - Fly
13 Mazzy Star - Fade into you
14 Dr. John - I walk on guilded splinters
15 Joanna Newsom - Sprout and the bean
180

No More Mr. Nice Guy...For A While!

2010-08-04T22:49:00.011+02:00

Distinguidos visitantes, llegó la parada estival para Warehouse Of Rock. Entre otras cosas, me dedicaré a releer algún libro de Paul Auster, repasar la discografía de Alice Cooper, ver algunas de mis pelis favoritas y seguramente a tocar la guitarra y tratar de componer algo de material para mi nueva banda de rock, de la que ya informaré cumplidamente cuando sea algo más sólido y presentable.
De todas maneras, no quería detener el blog, asi que he programado tres o cuatro entradas con música recopilada hasta la vuelta, en Septiembre, solo espero que las disfrutéis!!! Y aunque no esté siempre podéis dejar comentarios, son muy apreciados y además hacen realmente más bonitas las entradas.

Nada, os dejo con un rescate del pasado que los paladares más finos sabrán apreciar en todo su esplendor, la mítica grabación del show que cierto grupo británico ofreció en el 71´ en la Universidad de Leeds (y no son The Who), en sonido stereo de alta calidad.

Did you hear about the Midnight Rambler?

The Brew - A Million Dead Stars

2010-08-01T08:40:00.004+02:00

Lo de estos tipos es serio. Un padre bajista, su hijo a las seis cuerdas y el amigo de este último aporreando los tambores, un trio a la antigua usanza del british blues-rock, un género por cierto que vive cierto desamparo en estos días a pesar de ser el fundamento y el principio de prácticamente "todo". La banda suena fresca como una lechuga, y potente. La juventud de sus miembros más cruciales sopla en este caso a favor, aunque inevitablemente el aspecto vocal es el que debe tener más recorrido porque al fin y al cabo Jason Barwick toca como los ángeles pero no deja de ser prácticamente un chavalito al que la vida todavía no ha prendido fuego en sus cuerdas vocales, aunque ojo que tampoco va manco.

La gran noticia es que el invento funciona, y joder, cuando un trio de música rock está tan compenetrado y tiene la baza de grandes canciones, clase y poder eléctrico no queda más que rendirse. Si, las influencias están más o menos claras (Hendrix, Moon, el Page acústico, etc) pero están empezando a ocultarlas con maestría, camino de diluirse en sus propios adn´s. Otra gran noticia, pues.

El disco es de los que gustan más con cada escucha, así que vas teniendo tiempo para recrearte en tal o cual solo, arreglo, o cualquier otro momento estelar de "A million dead stars", el mejor disco de su estilo desde hace ya bastante tiempo. Deseo fervientemente que esta banda se haga grande y tenga una merecida longevidad, los he visto encima del escenario y necesito que estos tipos visiten el país regularmente. Por cierto, en Agosto vuelven por aquí, concretamente Burgos, Gijón y Sos del Rey Católico, los que podáis no os lo penséis ni un segundo!
178

The Cult - Sonic Temple

2010-07-18T08:07:00.004+02:00

The Cult, sin duda, son una gran gran banda de rock duro, o al menos lo fueron en una de sus re-encarnaciones. La clase británica aportada por su lugar de origen les ha mantenido al margen del exceso de macarrismo, mientras que cierta dosis de elementos místicos ha encontrado eco en la imagen y la música del grupo, un misticismo más relacionado con los nativos americanos que con el mundo tolkiano de Led Zeppelin, donde los astros, la Naturaleza salvaje y el mundo de los espíritus ejercen de continua inspiración y son parte del imaginario que Ian Atsbury traslada a sus letras.

Es difícil percibir a los Cult como un grupo en el sentido más clásico del término, y más después del abandono de Jamie Stewart, el bajista tradicional de la banda. Lo digo porque ha habido mucho baile de personal alrededor de la pareja principal, Duffy & Astbury, y estos dos siempre se han estado disputando el control de la banda. No es una cosa que no haya sucedido en otros grupos bicéfalos como Aerosmith o los Rolling Stones, pero ambos disfrutan de una formación mucho más estable y sobre todo en el caso de los últimos, tanto Keef como Jagger saben que por encima de la banda no hay nada. Creo que a los Cult siempre les ha echo falta un punto más de autoconfianza, de creerse que eran grandes, un punto de afianzarse en la senda que marcaron tras este "Sonic Temple", lo cual tendremos que lamentar eternamente. Pero claro, es que a la vuelta de la esquina estaba el grunge, y su laminación de todo lo que no fueran camisas de leñador.

"Sonic Temple" es glorioso, triunfal. Enormes riffs de guitarra, producción impecable, grandes letras y gran trabajo vocal del amigo Ian. La personalidad de los Cult se desparrama desde el primer segundo, todo lo que la banda habia sembrado en los maravillosos "Love" y "Electric" se cosecha en "Sonic temple" en medio de una gran fiesta eléctrica, donde el grupo ruge como quizás no ha vuelto a hacerlo. Esa forma única de hacer hard rock es realmente impactante desde la primera hasta la última canción, muchas de ellas clásicos instantáneos que siempre estarán con nosotros. Después editarían "Ceremony", que a mi personalmente me encanta... y a continuación, Duffy y Astbury decidieron maltratar a una banda legendaria.
177

Heavenly!

2010-07-12T22:09:00.004+02:00

Gene Clark - No Other

2010-06-20T18:44:00.004+02:00

A lo largo de su estancia en The Byrds, Gene Clark fue víctima de la explosión de su propio talento. Por un lado dejó maravillosas perlas de música dulce, brillante e universal; por otro, sus propios compañeros le mostraron rechazo y gestos poco amables, ya que ingresaba más que ellos en concepto de compositor. Y en medio de todo, la casa de discos decide que el cantante principal para los singles será Roger McGuinn, incluidas las majestuosas versiones de Dylan. Así que Gene abandona el barco y emprende un accidentado viaje, en compañía de las estrellas, de la lluvia, el fuego y de los recuerdos, en compañía de la Naturaleza, el corazón como única brújula y el alma como refugio.

Gene lo tuvo todo para triunfar a lo grande, para grabar su nombre con letras de oro en la historia de la música, y sin embargo nunca consiguió hacer despegar su carrera en solitario en términos de estabilidad, popularidad y reconocimiento, aunque desde luego en el plano artístico estamos ante una de las cumbres de la extraña y exclusiva categoría del disco único, especial, irrepetible, aquél en el que el músico desparrama toda su creatividad de manera íntima, desnuda hasta el último de sus sentimientos y conmueve profundamente al que lo escucha, como lo hace el fulgor de un diamante en la oscuridad. "No other" está en la misma categoría que "Solid air", "Pink moon" o ciertas canciones de Neil Young, con el que hay más un punto en común aquí.

He oído hablar de este disco como el "Sargent Peppers" del country-rock, pero a mi me parece que está bastante más cerca del "What´s going on" de Marvin Gaye. Es un disco cósmico, de un misticismo barroco exhuberante... dios, esas melodías armonizadas de inspiración asiática en "Strength of strings" que suspenden la canción en el aire.. memorable... todos esos pequeños detalles, filigranas y malabarismos que se desgranan a través de las canciones... oiréis muy pocos coros como los de este disco en vuestra vida, una obra mayor para oídos privilegiados. Lamentablemente, en toda la red no hay ningún vídeo de calidad aceptable de ningún tema de este álbum, con la excepción del que he colgado, el funk sideral que da título al disco.
176

Roy Wood - Mustard

2010-06-13T10:29:00.006+02:00

Supongamos que queremos echarle un vistazo a algo diferente... podríamos afinar un poco y nos podríamos decidir por algo realmente bueno que fue grabado hace 35 años por una especie de Phil Spector multintrumentista... pero todavía podemos afinar más... ¿qué tal un viaje a través de la música, qué tal una banda sonora de fuegos artificiales, melodía, rock´n´roll e increíbles pasajes sonoros mutantes, qué le decís a un viaje por las ondas radiofónicas de los tiempos de las Andrew Sisters seguido de un paseo por el "Pet sounds" reflejado en un espejo? ¿Qué tal un viaje a la mente de Roy Wood y a su mejor disco, "Mustard"? Realmente excesivo, realmente brillante y excéntrico, realmente genial.

Roy Wood conoció el éxito masivo con sus primeras aventuras musicales, The Move y los primeros E.L.O., desde que se metió en esto de la música supo desde el primer día lo que era sonar en la radio, aparecer en T.V. y en las revistas. Incluso con su primer proyecto en solitario, Wizzard, colocó algunos singles en lo alto (si vais a las islas británicas en Navidad es muy difícil no toparos con su "I wish it could be Christmas everyday"), pero como artista que iba absolutamente por libre sus discos podían llevar, si, un excelente caramelo para la radio, o dos, pero el resto era Roy Wood a su puta bola, con su varita mágica absolutamente desbocada. Este panorama, unido a lo presumiblemente caro de la puesta en escena hizo que ninguna compañía respaldara una gira de conciertos en condiciones, fuera de Inglaterra, lo que hace de él probablemente el único tipo capaz de componer exitazos condenado a no presentarlos durante giras mundiales.

Todos los instrumentos de "Mustard" (alrededor de 27) están tocados por el propio Roy, de manera bastante acertada por cierto. También son suyas casi todas las armonías vocales, con su voz doblada en varias ocasiones y la colaboración ocasional de uno de los hermanos Everly y de Annie Haslam. De las canciones, lo único que se puede decir es que son auténticas obras maestras, en algunos casos pequeñas sinfonías: estás escuchando algo de swing y sin darte cuenta la música ha transmutado hacia parajes polifónicos o hacia el local de ensayo de los Beach Boys. Pon a cualquier otro a hacer lo mismo y todo se convertirá en un batiburrillo, pon a Roy y te entregará "Mustard".
175

Sunny Day Records

2010-06-03T20:51:00.005+02:00

Hoy he tenido un duro día de trabajo. No, no me agobia mi faena, de hecho me gusta estar en contacto permanente con personas de practicamente todo el jodido globo terráqueo, personas a menudo amables e interesantes... pero definitivamente el puto día de hoy ha sido agotador, y para colmo los termómetros han subido de golpe y porrazo... dammed! Así que lo primero que he hecho cuando he llegado a casa ha sido embucharme una cerveza fresquita, poner a The Qlique en el giradiscos a todo volumen y acordarme de que tenía una deuda pendiente con dos viejos conocidos y amigos, por los que siento un tremendo aprecio. El reencuentro virtual y en la distancia con estos dos pájaros ha acabado reconfortándome por completo, y ahora mismo me vienen a la memoría millones de imágenes, anécdotas y buenos momentos pasados junto a Juanma y Rafa, en conciertos, en la tienda de discos del segundo, en mi pub o yo que se. Definitivamente, dos de los seres humanos más adecuados para compartir una cerveza.

Bien, entremos en materia. No todos los días un amigo tuyo decide montar un sello discográfico, e invertir su pasión y su dinero en una aventura que requiere muchos bemoles y una fuerza de voluntad a prueba de bombas. Pues encima lo han hecho cojonudamente bien. Sunny Day Records se estrenó con tres referencias de altura, editando jugosos vinilos de Los Infraseres, The Right Nows y los Zombie Valentines. Orientado hacia sonidos de origen mayormente sixtie, garage y pop en especial, la suerte de este nuevo sello está echada. Da gusto ver cómo esta música se encuentra mimada por multitud de revistas, fanzines y pequeñas discográficas que mantienen viva y coleando una escena nacional que para si quisiera el rock patrio más contundente, donde incluso brilla por su ausencia en la revista digamos "de referencia", ya sabéis cual. Bien, hace poco le envié una especie de entrevista a Lazy Juanma para que largara acerca del proyecto y los grupos que editan, entrevista que me devolvió completada sorpresivamente con bastante comedimiento (ahora te puedes resarcir en los comentarios, dude, te reto) y pulcritud, dejándonos ver su lado encantador... excepto la puta última linea! Allá vamos!

WAREHOUSE OF ROCK: Con la que está cayendo y montáis una discográfica...
LAZY JUANMA: Si te refieres a la crisis económica general, la palabra clave es crisistunidad, ya lo decía Homer, los momentos de crisis lo son también de oportunidad. Sabemos que la coyuntura es complicada pero si tienes claro lo que quieres hacer y los pasos a seguir no hay problema que no se pueda superar. Este proyecto ha nacido con vocación de permanencia y no nos vamos a asustar por unos comienzos difíciles.
Si, en cambio, te refieres a la “crisis de la industria musical” personalmente no me siento nada representado por ese circo de plañideras formado por multinacionales, sgaes y “artistas” de postín que andan siempre pronosticando el fin de la música; lo nuestro es otra cosa, lo nuestro es la música y no creo que estos sean peores momentos para montar un sello que hace 5 o 15 años.

WOR: Juanma, como está el patio del pop patrio?
LJ: Está lleno de piedras, es muy fácil tropezarse pero también es fácil encontrarte debajo de ellas un montón de tesoros, nosotros ya hemos encontrado varios y si pudiéramos sacar un disco cada semana posiblemente no nos faltara material de calidad para hacerlo. Es fascinante la cantidad de grupos excitantes que te puedes encontrar ahí fuera, cada pocos días Rafa o yo encontramos una nueva joya que nos gustaría editar, lástima no ser ricos...

WOR: Habladnos brevemente de estas tres bandas, por favor.
LJ: Cronológicamente los primeros en unirse a Sunny Day fueron los gallegos The Right Nows gracias al ofrecimiento de Charlie Mirror (Action Weekend Records) que nos propuso editarles a pachas.Tienen un pie en el garage y otro en el powerpop con más clase, podrían ser los hijos bastardos de una noche de pasión entre los Cynics y los Flamin' Groovies y tienen un talento para fabricar canciones muy por encima de la media.

Los Infraseres fueron los segundos en llegar, representan todo eso que nos gusta del r'n'r, son diversión, frescura, primitivismo visceral, ganas de fiesta por encima de grises vidas.

Zombie Valentines son la última referencia hasta el momento del sello, son el grupo que nos harán ricos jaja … son unos hijosdeputa con mucho talento, cada canción que componen es una maravillosa obra de arte pop, sencillas y a la vez inmensas.

WOR: Qué creeis que hace falta para que todos estos fantásticos grupos puedan desarrollar algo parecido a una carrera?
LJ: Uf! para disfrutar de una larga carrera como grupo tienen lo fundamental que es talento y pasión, ahora bien, si estamos hablando de vivir de la música, entonces mejor cambiamos de tema porque no quiero ponerme a despotricar sobre como están las cosas...

WOR: Se que estos discos están orientados a fieles y creyentes, como ha sido la acogida de estos tres artefactos, hasta ahora? Qué os comenta la gente?
LJ: No tenemos experiencia previa para poder comparar en cuanto a ventas, pero estamos muy satisfechos de la acogida hasta el momento de los tres discos, tanto dentro como fuera de España los tres grupos están recibiendo muy buenas críticas y comentarios, se están haciendo un nombre rápidamente y ya están llegando ofertas para tocar en directo tanto en festivales de renombre en España y Europa como para cruzar el charco.
Los Infraseres se lo están tomando con más calma pero tanto Right Nows como Zombie Valentines volverán a pasar por el estudio para editar más temas en el 2011 por aclamación popular.

WOR: Donde pedir los discos?
LJ: A falta aún de que tengamos nuestra web finalizada, la gente se puede pasar por myspace.com/sunnydayrecords , ahí podrán ver el listado completo de tiendas y catálogos donde encontrar nuestros discos y también nos los pueden solicitar directamente a nosotros si quieren mayor rapidez escribiendo a sunnydayrecords@hotmail.com

WOR: Como seria tu fin de semana perfecto Juanma?
LJ: Cerveza, amigos, comida abundante en una terraza al sol, un par de conciertos sudorosos por día para hacer el orangután y un par de allnighters repletas de soul, ska, r'n'b, boogaloo, beat y demás sonidos que gustan en sunny day y también en este blog.

WOR: Elabora una lista de diez discos insustituibles en toda discoteca que se precie de buen gusto.
LJ: Faltaba la típica preguntita de periodista jaja... te hago una lista no de discos indiscutibles según los “cánones” establecidos, sino de indiscutibles en mi tocadiscos a lo largo de mi existencia.

(nota del "periodista": cacho cabrón, encima que te preguntaba para que te explayases, ains!!)

THE BARRACUDAS – DROP OUT WITH THE BARRACUDAS
THE CRAWDADDYS – CRAWDADDY EXPRESS
THE CYNICS – ROCK ‘N’ ROLL
DR. EXPLOSION – AQUELLOS MARAVILLOSOS 90
HAPPY LOSERS – MAKE’ EM LAUGH
LOS NEGATIVOS – PIKNIK CALEIDOSCÓPICO
THE SONICS – HERE ARE THE SONICS
THE KINKS – ARE THE VILLAGE GREEN PRESERVATION SOCIETY
THE RASPBERRIES – FRESH RASPEBERRIES
JIMMY JAMES & THE VAGABONDS / THE ALAN BOWN SET – LONDON SWINGS . LIVE AT THE MARQUEE
THE DICTATORS – BLOODBROTHERS

WOR: Deja unas palabras para los lectores de Warehouse Of Rock...y añadid cualquier cosa que queráis

A tí Scott muchas gracias por todo, y a los lectores de Warehouse Of Rock solo les digo tres cosas:
1.Estad atentos a los nuevos lanzamientos del sello.
2.Haced caso a los Kinks y no seáis como los demás
3.Más roll y menos rock!! jaja

End

CATALOGO SUNNY DAY RECORDS

MYSPACE

Small Faces - Odgens´ Nut Gone Flake

2010-05-30T08:25:00.003+02:00

Erase una vez cuatro muchachitos londinenses, no muy altos, que marcaron a fuego la escena británica de los 60 y dejaron su huella en practicamente toda la música posterior que llevara por algún lado un riff sólido, una voz potente y desgarrada y un compromiso por el estilo y la música.

Small Faces son para mi mucho más que una banda de rock. Han sido una gran inspiración en mi vida, incluso más allá de lo estrictamente musical: es esa clase de grupo que consigue mantenerte vivo, que lo mismo te eriza el vello con un tema como que no te permite un minuto de descanso en una especie de "non-stop dancing" a tumba abierta... vamos, una banda por la que sentir orgullo y admiración. Y agradecimiento, mucho agradecimiento.

Soy un absoluto fanático de lo que yo llamo La Familia: por supuesto de la propia banda pero también y en cantidades industriales soy fanático de los Faces, de los Humble Pie, del primer Rod Stewart, de Ron Wood en solitario... Pero sobre todo soy fanático de Steve Marriott: Me cuesta no hacer una reverencia mientras escribo su nombre, un tio absolutamente talentoso dotado de una voz increíble y maravillosa, pura energía incandescente, soul y rock´n´roll, consistencia metálica y alma negra, honestidad y emoción canalizados a través de una banda de ensueño (con Ronnie Lane, otro de mis héroes, en sus filas). Steve Marriott tuvo su propia medida como cantante en si mismo tíos, nadie puede hacerle sombra, y no en vano es el favorito de Bowie, Iggy, Iommi y Page (estos dos últimos se lo quisieron agenciar para sus famosísimas bandas respectivas en su momento). Y para colmo era un guitarrista tremendo, enérgico y pleno de recursos !!!

"Odgens´ nut gone flake" fue el último disco que hicieron juntos, y fue una obra maestra. Quizás no es el más adecuado para adentrarse en el mundo de la banda, pero en cualquier caso no puedo hacer otra cosa que recomendarlo a todo aquel que no lo posea. La banda muestra su evolución teñida de rock lisérgico durante toda la cara a, mientras que la cara b es lo más complejo estructuralmente que habían grabado hasta el momento: un viaje conceptual a través de los ojos de Happiness Stan, un niño obsesionado con la cara oculta de la Luna. Consiguieron sin orquestas ni sobreproducciones múltiples lo mismo que otros a base de Filarmónicas y presupuesto. Qué buenos eran, diablos!
174

We Miss You, Ronnie!

2010-05-17T19:02:00.003+02:00

Aerosmith - Draw the line

2010-05-16T07:37:00.008+02:00

Si me preguntaran por tres cosas que distinguen a los Aerosmith del resto de sus coetáneos hard rockers de los 70´s, diría que en primer lugar tenían un frontman absolutamente definitivo (uno de los 4 o 5 grandes de verdad); en segundo lugar no se perdian en largos desarrollos o solos instrumentales sino que siempre tuvieron algo de la actitud de tipos como MC5 o New York Dolls; y en tercer lugar, y no menos importante, estos tipos tenían genuino "swing", un swing musculoso y dinámico, con al menos uno de los pies introducido hasta el fondo en las aguas de la música negra: blues, funk & soul. Si no me equivoco, sólo los Kiss de Peter Criss fueron la única banda de la tierra en compartir hard rock y swing con Perry & Co.

Esta banda, como todos sabéis, ha pasado por muchas vicisitudes, de hecho el primer párrafo lo he escrito en pasado porque no estoy seguro de que la banda conserve esos tres pilares! Los altibajos creativos de la banda han sido una constante, unidos definitivamente al estado de salud y de relaciones internas de sus miembros. No, Aerosmith nunca fueron hermanitas de la caridad, y menos cuando el exceso era una forma de vida, y los egos se alimentaban de situaciones desquiciadas, envidias y cualquier otra cosa válida para putear al compañero. "Draw the line" fue escrito casi en la cúspide de los problemas de adicción de varios miembros de la banda, situación agravada por el deterioro del inicial colegueo y amistad.

Parece que encerrarse a grabar un disco en estas condiciones, en un antiguo convento de las afueras de NYC, no era la mejor de las ideas, pero ellos lo hicieron. El resultado no fue el mismo que con "Toys in the attic" o "Rocks" en términos de brillantez sonora, no, pero a cambio tenemos un disco sucio, duro, callejero, un disco de vuelta a los orígenes, con la banda paseándose por el filo de la navaja con tan poca pericia que no podían evitar cortarse y sangrar, exhibiendo con orgullo su lado salvaje. Joder, hasta David Johansen está invitado a la fiesta en uno de los cortes, "Sight for sore eyes", un funky matador compuesto a medias con los chavales, y hasta los MC5 son devueltos a la vida en "Bright, light, fright", cantada por Joe Perry (gran fan de la banda). Aquí hay canciones amigos, grandes temas como la misma "Draw the line"; el particular "Dream on" macarra de la banda, "Kings and queens"; más funky aeorsmíthico en "The hand that feeds"; uno de sus clásicos y encantadores rocks, "I wanna know why" y exhibición de rasgos distintivos y marca personal en "Critical mass" y "Get it up". Lo dicho, no se ha hablado tanto de este disco pero para mi gusto es una joya imprescindible, que grandes!!!!

173

Led Zeppelin - IV

2010-05-08T20:26:00.004+02:00

Es curioso. Los tios han plagiado sin inmutarse tanto riffs como letras sin mencionar a los originales en los créditos. Jimmy Page, cual ladrón nocturno, desvalijó en más de una ocasión el domicilio de Davy Graham y tantos otros guitarristas folkies... y sin embargo el resultado es tan sublime, las aportaciones propias tan descomunales, el feeling de la banda tan puro y su sonido tan jodidamente grande, brillante y único que toda resistencia es inútil. Negar a los Led Zeppelin es cuanto menos arriesgado, y casi un sacrilegio.

Fueron la banda perfecta. Un cantante con presencia, dueño de una voz personal e inimitable; un guitarrista tocado por el dedo divino, icónico, mejorable en el aspecto puramente técnico pero insuperable en inventiva, sonido y clase, que es lo que acaba marcando las distancias; un bateria que era casi el trueno personificado, desde su aparición es el ejemplo perfecto de la pegada controlada y eficaz, poseido de un talento rítmico descomunal... y por último un multinstrumentista sobrado de musicalidad, oficiando de bajista de la banda (y de arma secreta), inteligente y tecnicamente impecable, capaz de componer algo como el riff de "Moby Dick", quizás el más redondo y perfecto de la banda. Oir tocar juntos a estos cuatro tios es verdaderamente un privilegio para los oidos, es embarcarse en un extraordinario viaje que va desde una destartalada cabaña del Delta donde alguien ahoga sus demonios en alcohol y blues hasta paisajes de niebla y misterio, reinos legendarios, mitología y magia de la vieja Europa.

El "IV" es, como otros discos de la banda, un prodigio en todos los parámetros posibles. Nos encontramos a unos Zep de camino hacia discos posteriores como "Houses of the Holy" y sobre todo "Physical Grafitti", los chicos aparecen más alejados del crudo hard blues y del Londres de los Yardbirds, y más cercanos al blues sofisticado, al rock de alto octanaje, a cierta inspiración oriental y donde la maestría total y absoluta en el arte de la composición alcanza el más alto nivel de la banda en "la canción" por antonomasia, "Stairway to heaven", compendio y fusión de todos los misterios de la música folk y rock... maravillosa. Perfecta. Y acompañada de sencillamente algunos de los mejores momentos de la Historia de la música popular, porque a ver como se pueden definir "Black dog", "Misty mountain hop", "Rock ´n´roll", "Going to California" y una de mis favoritas personales, "The battle of evermore".
172

The Monarchs - Make Yer Own Fun

2010-04-24T07:11:00.004+02:00

Qué tendrá el rock australiano. Los tipos se agarran a las guitarras cual garrapatas, e invariablemente someterán a tus tímpanos a una sesión de rock´n´roll de alto voltaje, un rock único y especial que hunde sus raices en la música más indómita de los 60´s y que reserva siempre una porción de su ADN a unos tipos de Sidney llamados AC/DC. De la conjunción de ámbos elementos y de las propias circunstancias del momento tenemos sus señas de identidad: ritmo, potencia, sonido natural y abrasivo, buenos estribillos y toneladas de diversión.

A pesar de que Australia es un país de proporciones gigantescas, si hablamos de rock lo hacemos también de una escena en la que todo el mundo se conoce, con sus propias leyendas y mitos locales, pequeñas tradiciones y una inexcusable veneración por los pioneros. Una de estas leyendas es sin duda Brad Shepherd, uno de esos tipos a los que más de una generación ha aplaudido encima de un escenario desde sus comienzos en el negocio al filo de los 80´s, pasando por bandas desconocidas pero institucionales como The Fun Things, episodios de relativo éxito mundial como The Hoodoo Gurus hasta llegar a su obra más importante: The Monarchs.

Un disco de auténtico ensueño donde todo está en su sitio, un disco que respira y del que puedes escuchar incluso su corazón latir con fuerza, un disco donde el soplido eléctrico de las impresionantes guitarras, en su doble version killer/power pop, es un cortafuego que derrite sin más cualquier obstáculo que se interponga entre las canciones y tus oidos. En muy pocas ocasiones uno se enfrenta a temas como "2001", un himno rockero de primer orden, y a toda una sucesión de temazos donde el rock de raza da la mano en ocasiones al mejor pop posible con un resultado deslumbrante. Lo malo es que tras este disco, los tipos lo dejaron.
171

Hüsker Dü - Candy Apple Grey

2010-04-17T21:44:00.003+02:00

Durante gran parte de mis años de Instituto me enchufaba a la radio por las noches, a la hora de dormir. La nómina de artistas que descubrí cada noche en la por entonces fascinante Radio 3 es apabullante, desde los Doors y una pila de grupos de garage hasta grupos del momento tipo Green On Red o Godfathers. Bien, no os voy a explicar lo que es oír por primera vez "L.A. woman", "American girl" o "Gimme danger"... de alguna manera te cambian la vida. Una de esas noches me topé en las ondas con una canción que me dejó absolutamente flipado, la intensidad del tema en cuestión, su fuerza indómita, podían cortar el aire como un cuchillo y su belleza desgarradora golpear directamente en un corazón adolescente. "Sorry somehow", por los Hüsker Dü.

La angustia juvenil y el compromiso político guiaron los primeros pasos de la banda, con la fuerza bruta como tarjeta de presentación. La voz de Bob Mould y su guitarra al asalto de la base rítmica del trio a fuerza de puro decibelio, catarsis de hardcore inmisericorde on your face. El único rastro, casi, de aquellos primeros años en este sexto disco de los de Minneapolis es la inicial "Crystal", una brutal embestida del combo cual peligroso tren a tumba abierta y sin frenos. Hüsker Dü fue una banda que dejó salir todo el potencial que guardaba en su interior sin asomo de dudas o miedos, de modo que para "Candy apple grey" los tipos ya eran capaces de soltar un "No promise have I made" a base de piano con total convicción y sin perder su esencia.

A pesar de que fue un relativo fracaso comercial, este disco es uno de los indiscutibles pilares de toda la música posterior de Seattle y satélites adyacentes, y uno de los hitos del rock insobornable, puro y orgulloso, una banda sin mácula en cuanto a integridad y convicciones, tan punks como amantes de los Beatles. Hoy he vuelto a recuperar su discografía, y la verdad es que sigue siendo un placer escuchar esta maravilla, volver a encontrase a Mould o al batería Grant Hart cantando "I don´t know for sure", "Don´t want to know if you are lonely", "Too far down", "Dead set on destruction" o por supuesto "Sorry somehow" una y otra vez. Como me dijeron una vez, "... puede que estos tios estén mezclando a Black Sabbath y los Byrds sin saberlo"

170

R.E.M. - Green

2010-04-11T07:07:00.007+02:00

El tiempo y el éxito han distorsionado la imagen de los REM. La TV y radio mundiales los exhiben más o menos con asiduidad desde el año ´91 y cada nuevo disco que editan es anunciado incluso en el telediario de Matias Prats, ínclito presentador siempre "a la última" en tendencias musicales. Se podría decir que son los Bruce Springsteen del pop o algo así. Sin embargo, en mi retina permanecen inalterables los REM de los ´80´s, cuando eran una más de las excitantes bandas del Nuevo Rock Americano y se afanaban por mantener encendida la llama del folk-rock, de las Rickembackers calientes y de las buenas melodías. Yo era un mocoso semiadolescente ávido por meterme toda la Historia del Rock por la vena en el menor tiempo posible, y este disco no iba a ser menos.

"Green" fue el primer disco de la banda en una multinacional, y venía precedido por otra fantástica grabación, "Document", donde brilla con luz propia una de las mejores canciones de la historia, "The one I love". Entre uno y otro no existen diferencias significativas en cuanto al fondo y las intenciones, pero aquí las cosas están más pulidas, y las canciones son sin duda más intensas. Luego vendría el disco que les catapultó a la fama mundial, "Out of time", un disco que servidor no entendió y sigue sin entender, aunque me alegré por los muchachos. Han digerido la fama como muy pocos y eso nadie lo puede negar.

Supongo que muy pocos de nosotros hoy en día se muestra interesado por los REM actuales debido a las más diversas razones, pero siempre habrá un hueco en mi blog para este disco. Jamás renunciaré a la integridad musical de esta obra, a la canción pop de gran calibre representada en "World leader pretend" o "Pop song 89", a la psicodelia deslumbrante de "Turn you inside out", o a las delicias folkies de "Hairshirt" y sobre todo "You are the everything" (creo que nadie grabó en aquel año nada tan cercano a "The battle of evermore"!!), una de las joyas ocultas de la discografía de los de Athens, Georgia. Y no, no me he olvidado de que en "Green" también sale "Stand", la sintonía de la mejor seria de mi generación, "Búscate la vida"!!!.
169

Big Star - #1 Record

2010-03-20T19:42:00.005+01:00

Me he enterado hoy mismo. El pasado día 17 de Marzo el corazón de Alex Chilton se paraba en algún lugar de la ciudad de New Orleans, lo que unido a la ya lejana e igualmente trágica desaparición de Chris Bell deja huérfanos de padre a los Teenage Funclub, Posies, Replacements y tantos otros. Y claro, servidor que ha crecido con las canciones de Big Star (incluso bauticé mi propio negocio de tal manera) y siempre ha admirado la conjunción astral de estas dos verdaderas y auténticas estrellas, pues bueno, no puedo evitar sentir una sensación angustiosa, de pérdida y de desazón.

Llevo todo el día escuchándolos, y como siempre, me vuelvo a encontrar delante a una banda gigantesca, íntegra, la banda inmaculada y primordial que dio con una veta preciosa como el oro, de la que se alimentarían cientos de bandas diez o quince años después del final oficial del grupo, tal es la magnitud de la inspiración y la anticipación de su música. ¿Cuantos grupos han alcanzado la gloria estrictamente musical, la completa excelencia en el arte de hacer canciones sin que nada más importe?

Aquí todo es real, no hay espacio para la distracción o el disfraz. En el crisol de Big Star se cocieron diversos ingredientes digamos antes de tiempo, el resultado o fórmula final tendría que haber sido descubierto años después de manera "natural", de acuerdo a las leyes de la evolución. En cierto modo es increíble, pero ahí están las canciones... "Thirteen" podría haber sido un número más en el "Tomorrow the green grass" de los Jayhawks, "India song" igualmente podría haber aparecido en algún álbum de los REM ochenteros, o "In the street" se podría haber deslizado en algún disco de Teenage Funclub de la manera más natural del mundo. Sirva como humilde homenaje al señor Chilton esta entrada, una de las pendientes fijas desde el día que comencé con el blog. Thank you friends, wherever you are!.
168

Shadows Of Knight - Back Door Men

2010-03-17T22:50:00.004+01:00

Esta noche rescatamos una perla del pasado, para lo cual no queda más remedio que sumergirse en las excitantes aguas del mejor rock de garage, a pleno pulmón y con un cuchillo bien sujeto entre los dientes. Elegantes a pesar del crujido electrico que eran capaces de desencadenar, y curtidos en el circuito del Chicago de los 60´s donde sudaron rhythm´n´blues cada noche, los Shadows Of Knight hicieron su presentación discográfica en enero del año 66 a base de un pedazo de versión del clásico de los Them "Gloria", que les reportó bastante fama.

Al primer single le siguió un album homónimo, blues based, menos influido por el beat o por alguna chispa folk-rock como este "Back Door Men". La banda se escoraría todavía más hacía la psicodelia y el garage en su tercer y último disco, llamado simplemente "Shadows of Knight", repleto de refinamiento y alto nivel compositivo, tres discos que en conjunto los elevan muy por encima de la categoria de "one hit wonders" en la que pueden caer tipos como Question Mark and the Mysterians. Como buen fan enfermizo de toda esta música sepultada por la niebla del tiempo, la discografía de los Shadow me parece simplemente fundamental.

El disco comienza con la insuperable lectura del "Bad little woman" de los Wheels, mucho más carnosa y peligrosa que la original, convertida con el tiempo en la referente y a la que los Fuzztones rinden un calcado tributo en su "Live in Europe". Después, tenemos una variopinta selección de interesantísimos temazos, como la boodidleiana "Gospel zone", perfecta para bailar a ritmo, ritmo que cambia radicalmente con "The Behemont", el instrumental de aires orientales que suena a continuación, la cuasi Byrds "Three for love", el garage abrasivo de "I´ll make you sorry", la vuelta al carril del blues de "Peepin´and hiddin´" o el clásico "Spoonful".
167

Pink Floyd - Meddle

2010-03-13T07:14:00.007+01:00

Entre el alucinante derroche orquestal de "Atom heart mother" y el éxito mundial de "Dark side of the moon" está "Meddle". Los ecos de la era psicodélica de Barret todavía resuenan en sus surcos, pero sin embargo las virtudes de este disco son otras: exquisita atención hacia el detalle discreto, y sobre todo el principio de la materialización de todo lo experimentado anteriormente, la elección de una senda que abre las puertas a la era de Roger Waters como master and commander de los Floyd. Con un poco de atención, en "Meddle" se escuchan esbozos de otros albumes posteriores, como el inmediato "Dark...", "Animals", o "Wish you were here".

Me pasa una cosa muy curiosa con esta banda, normalmente no los tengo en la cabeza ni los escucho premeditadamente, pero si por casualidad suenan en la radio o mi vista se posa sobre algo de ellos en la estantería, estoy dos o tres dias absorto con su música. Y es que canciones como "A pillow of winds" verdaderamente son obras maestras, una sublimación psicodélica del folk solo al alcance de estos tipos. Conozco de primera mano las más extrañas reacciones que produce esta banda en muchas personas, una de la más llamativa sin duda la de mi ex-compañero de piso Jez, londinense al que le encantaba emborracharse, poner el disco "Wish you were here" en el salón y permanecer absorto sentado en el sofa, perdido en sabrá dios que mundo.

Al contrario que a mucha gente, los Floyd no me parecen en absoluto aburridos, sino tremendamente coherentes, creativos hasta decir basta, con una carrera variada y con un sentido del humor bastante acusado. Fina ironia a veces verdaderamente macabra, como las intrigantes lineas que se escuchan en un momento del tema instrumental incial de Meddle, "One of these days": "un día de estos/ voy a cortarte en pedacitos"... Aqui no sobra nada, desde el inicio hasta la suite de 23 minutos del final, el blues de "Seamus", la elegance de "San Tropez", ese pedazo de "Fearless" (cuyo riff podría haber salido ayer mismo de las manos de Rich Robinson), y el sueño etéreo de "A pillow of winds". Odiados por los punks, en cierto sentido fueron más revolucionarios y antisociales que ellos, hay un interesante debate ahí. Por cierto, si alguien tiene la re-edición inglesa en vinilo de alta calidad del ´84 y se ha aburrido de ella, que se ponga en contacto conmigo, si eso.
166

New Riders Of The Purple Sage - Veneta, Oregon 8/27/1972

2010-02-25T16:15:00.004+01:00

Bien, los que estéis familiarizados con el mundo de los Grateful Dead conoceréis de sobra a los New Riders, los que no, os cuento un poco con vuestro permiso. Durante la época estival, el neoyorkino John Dawson pasaba las vacaciones junto a David Nelson y Jerry Garcia actuando en el San Francisco de los años folk hasta que Jerry decidió montar los Dead alrededor de 1967. Nelson regresaría a Frisco después de una escapada a L.A. y Dawson acabó rondando definitivamente la casa de los Dead y sus Acid Tests, durante uno de los cuales tuvo la revelación de que su misión en la vida era mezclar el country con el rock. Lo gracioso es que la visión se materializo en los proyectos ajenos de Flying Burrito Brothers y los experimentos de los Byrds entre otros!

Los tres viejos amigos acabarian tocando juntos bajo el nombre de New Riders of The Purple Sage cuando Garcia no tenía compromisos con su banda, hasta que el asunto adquirió proporciones serias y Jerry dejó paso a Buddy Cage en la pedal steel. El elemento natural de los Riders era el escenario, como se corresponde con una banda en continuo rodar por las carreteras de los states, donde no faltaba el concierto de cada tarde y la camaraderia espiritual con el público. En definitiva una forma de vida actualmente en extinción que tenía la consecuencia de una forma única de interpretar música.

Este concierto, celebrado el día más caluroso de los años 70´s en el campo de Oregón, es aire fresco, puro, música que no debería ser olvidada. Aquella tarde abrieron como casi cada día para los Grateful Dead, en el marco de un concierto benéfico a favor de una lechería y quesería "alternativa", la Springfield Creamery. Gran parte del público y de los músicos estuvieron bañados en ácido durante toda la velada (que al parecer fueron unas horas mágicas e irrepetibles), aunque entre el calor y las drogas ya es raro que no palmara nadie! El sonido es directo de la cinta master, sin producción ni na de ná, lo cual no impide comprobar (al contrario) cómo se las gastaban estos tipos.

165

FELIZ CUMPLEAÑOS, GEORGE!

2010-02-24T18:50:00.004+01:00

Nacido el 24/02/1943, rozando la medianoche.

Wavertree, Liverpool, England

Dr. John - The Sun, Moon & Herbs

2010-02-24T10:38:00.004+01:00

Dr John (Malcolm John Rebbenack Jr.) debutó en el mundo del disco a finales de los 60´s con un disco bastante inusual, "Gris Gris", una magistral combinación entre los cánticos religiosos del voodoo y la tradición musical de su New Orleans natal, a veces cercana al paroxismo y al trance psicótico. Música sobrecogedora con momentos brillantísimos, como "I walk on guildered splinters", un auténtico monumento cuyas raíces se pierden en la noche de los tiempos y que ha conocido tremendas versiones de Humble Pie, Allman Brothers y Paul Weller.

El transfondo voodoo, moombo-jumbo y ju-ju no fue abandonado nunca por Dr. John, pero con la entrada de la siguiente década otros aires impregnaron su música con fuerza, como el funk y el soul de tintes psicodélicos La música era ofrecida al publico durante extensos conciertos visualmente muy cuidados, con la parafernalia más auténtica de la misteriosa ciudad del señor Rebbenack. A principios de los 70´s editó "The Sun, Moon & Herbs", menos crudo que su debut pero para un servidor igual de interesante, y junto con su disco de versiones "Dr John´s gumbo" y el primero representan la tripleta básica que todo buen aficionado al rock debe tener.

En este disco Dr. John está bastante cómodo al piano y su persona plenamente confundida y transfigurada con su apodo John The Night Tripper, secundado por su insuperable banda de coristas y por unos instrumentistas tremendos, incansables, perfectos, en estado de gracia. Tratándose de uno de los más grandes compositores e intérpretes de la historia, es fácil imaginarse el nivel de las canciones, y más cuando el feeling, el sonido y la profundidad de la banda de Dr. John se encontraba en el punto más alto. Ah! olvidaba comentar por si os interesa que Jagger y Clapton andan por aquí, el último con su cadáver todavía caliente. Let´s voodoo now, baby!
164

Neil Young And Crazy Horse - Live Rust

2010-02-18T15:35:00.006+01:00

Neil Young. Lleva ahí desde siempre, ni siquiera el devastador fuego cruzado del grunge acabó con él. Es más, las luminarias de Seattle acudían a él de palabra o de facto en busca de integridad y ejemplo, en busca del héroe incorrupto y libre. Fácil de entender, ya que además de ser un puente hacia un grandioso y perdido pasado musical americano, su actitud en escena, su vestir descuidado y sobre todo el asalto eléctrico de alto voltaje de los Crazy Horse capitaneados por un Young en trance eran una inspiración para toda una nación adolescente mundial hastiada de todo.

Neil ha fabricado la banda sonora a generaciones enteras. Si veis filmaciones de sus shows, durante todos estos años, el efecto en las caras de las gentes es el mismo, en los 70´s, 80´s, 90´s o ayer mismo, y la pasión de los músicos de la banda, la norma. Una vez que te has entregado, es para siempre. Todavía no he conocido a nadie que haya abandonado la fe en este hombre, y creo que me moriré sin conocerlo.

Muy difícil elegir un solo disco, claro. A ver, si me decanto por su faceta acústica nos perdemos el rugido del Caballo Loco, y si es al revés nos perdemos el dulce mundo melódico de este gigante, si picamos en "On the beach" tenemos una intimidad salvaje pero no disfrutamos la luz de "Ragged glory", si me quedo con alguna de su últimas maravillas adiós al sabor añejo de "Harvest"... de modo que decisión salomónica: recurro a uno de sus míticos conciertos de los 70´s, con un poco de todo, brillantes momentos acústicos, canciones legendarias, latigazos rockeros, todo el arsenal. Pedazo de disco, este "Live Rust", en el que encima se incluyen dos números del grandioso y muy poco ponderado en general "After the gold rush". Que no se muera nunca, por favor. Brahma, Apolo, Jesucristo, Krishna, el que sea, todos, haced algo al respecto.

163

No he podido resistirlo, encontré esto por ahí... el viejo chamán en escena, destapando auténtica magia con su guitarra... es que es increíble.

En defensa de los derechos fundamentales en internet

2010-02-18T13:38:00.008+01:00

Lo que se traen entre manos en las Cortes me parece verdaderamente dramático y peligroso, y viene a sobrecargar un poco más el saco de la inmundicia política, por eso creo conveniente difundir lo que otros se han molestado en redactar al respecto y que he tomado de un blog amigo.
···········
Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1-Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.
2-La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.
3-La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.
4-La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.
5-Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.
6-Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.
7-Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.
8-Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.
9-Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.
10-En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

The Stooges - Raw Power

2010-02-14T09:07:00.004+01:00

Hoy, día de San Valentín, recibimos a esta criatura suponemos que alada y celestial, con una patada en el estómago. Literalmente... con el disco "Raw power", tocado y cantado por los Stooges de Detroit. En este disco, el amor está aniquilado, vapuleado y arrastrado sin remisión hasta el fondo del abismo. Pero la música es bella como una violenta erupción volcánica en medio del oceano, y excitante y encantadora como tu callejón preferido.

Las guitarras de esta grabación me vuelven loco. No seré yo quien niegue el Olimpo a Ron Asheton pero tengo que decir que mi guitarrista favorito de los Stooges es James Williamson, arriesgándome a un linchamiento público. Su instrumento ruge, maulla, se estremece, explota en hirientes solos, ordena el caos, se desliza en bonitos arpegios, siguiendo una aparente pauta basada en instintos primarios, en absoluta comunión con la persona física y mental de Iggy Pop.

Los escasos arreglos que hay en "Raw power" son sin embargo maestros, como la celesta de "Penetration", o el piano de "Gimme danger". Supongo que alguien tuvo un pequeño momento de lucidez entre tanta vorágina heroinómana y la dramática falta de presupuesto para mezclar lo que alcanzaron a grabar Iggy y sus muchachos en Londres. Definitivamente, una banda peligrosa e indomable, adictos a la supervivencia a pesar de la pasión por los excesos. Este disco es un hito de la música rock, hermanos, de una clase única y especial.
162

Roy Lanham - Sizzling Strings / The Fabulous Guitar

2010-02-11T05:48:00.006+01:00

El amo de las melodías con acordes exhuberantes, el inventor del estilo fingerpicking que lleva su nombre... Roy Lanham, verdaderamente un tipo único, dotado de un insuperable gusto para la improvisación y bendecido con una gran facilidad para encontrar las notas justas y precisas. Hablamos de un señor fundamental en la historia de la guitarra eléctrica, un pionero que desarrolló los límites del instrumento junto a ases como Jimmy Bryant, Chet Atkins, Barney Kessel o Johnny Burnette.

Roy nació en el año 1929, y comenzó a tocar a los 8 añitos. Americano y de Kentucky, pronto descubrió todos los secretos del "country and western" lo que le dió la oportunidad de ganarse la vida como músico acompañante de diversos artístas. Gracias a su naturaleza inquieta, al contacto con otros músicos y lo que descubría en viajes y grabaciones, pronto amplió sus horizontes musicales y fue incorporando sucesivamente el blues, el swing, el jazz, el rock y practicamente todo lo que pudiera tocarse con una guitarra. Un personaje al filo del olvido, que sin embargo posee una biografía y un legado terriblemente interesantes.

Amigo de Leo Fender, fue uno de los 4 o 5 guitarristas que probaron sus instrumentos antes de ponerlos a la venta (de hecho, la primera Fender Jaguar fabricada es de su propiedad!), e incluso vaticinó el éxito del modelo Stratocaster, aunque sea más conocido por tocar con una Jazzmaster. Esta edición conjunta de dos discos presenta a Roy Lanham con sus grabaciones en solitario del 59 y del 61, piezas instrumentales absolutamente maestras (la mayoría de menos de 3 minutos) que rezuman todo el magnetismo de una época excitante dónde todo un gran lenguaje musical se estaba escribiendo. Si os pica la curiosidad echad un ojo también a su trabajo como músico acompañante, por ejemplo al disco "Whirlwind" de Ginny Wright.

161

I´m In Heaven! (por 6,50 libras)

2010-02-01T15:25:00.012+01:00

Hubo un tiempo en el que el señor Wood era un músico excitante, un tipo único con una manera absolutamente brillante de tocar la guitarra, tan diestro con el folk inglés como con los ritmos negroides que habian conquistado las islas británicas durante los años 60´s. Su tono de guitarra inimitable, su actitud socarrona y su estilo "party all day long", dieron forma a una de las maquinarias de rock´n´roll más genuina y maravillosa del mundo, The Faces.

Como todo el mundo sabe, en el año 1975 se uniria a los Rolling Stones, al tiempo que comenzaban sus problemas con las drogas, el alcohol y las finanzas, y poco a poco iría perdiendo su toque y su sonido supongo que por varias razones más aparte de éstas. En el ´75 también vió la luz su segundo disco en solitario, "Now look", un disco por el que servidor siente un auténtico fervor, como por todo el legado Faces tanto juntos como en solitario.

Pues bien, acabo de aquirir un ejemplar de la primera edición inglesa (o sea la primera tirada a nivel planetario), en estado practicamente impecable, por unas miserables 6,50 libras esterlinas!!! No puedo creer que alguien se haya deshecho de esta pieza por este ridículo precio. Por mi parte, no lo puedo explicar con palabras, amigos, no puedo describir lo que ha sido colocar la aguja encima de "Breathe on me" (una de las más enormes canciones que jamás se hayan grabado) y sentir de inmediato ese sonido cálido envolvente, la voz cazallosa de Ronnie y los coros de Keith Richards . Y esa elegancia absoluta de "If you don´t want my love!", la increible y preciosa "Now look", de un arrebatador aroma Face. Porque es que además este disco suena de muerte, y todos los que tocan aquí están en su mejor momento (lo de Bobby Womack es simplemente shocking). Ronnie en su faceta más negra y caliente, amigos.

Nada, que sólo quería compartir mi alegria por la aquisición con todos vosotros!

Si alguno quiere darle un repaso, creo que anda por aquí, a 320.

Os dejo con un divertido documento perpetrado durante una Nochevieja por Jools Holland, un Slash como ausente, y el propio Ronnie... ligeramente empapado en alcohol...

ROCK AND ROLLLLL!

Lo Peor del 2009: Cinco certificados de defunción.

2010-01-09T17:25:00.019+01:00

El 2009 nos ha traido tal cantidad de chatarra vergonzosa, que resulta verdaderamente difícil rebuscar en el fondo de esta particular bolsa de basura y desperdicio sonoro y elegir 5 elementos ultrajantes al arte musical. Quedan a salvo de la guillotina los condenados obvios tipo la última sensación adolescente, o florecillas gorgoritantes como Bisbal, más que nada por falta de cabeza y por tanto cuello donde descargar a la inapelable Madame. Sin embargo, la hoja actuará sin piedad sobre 5 bandas o solistas con talento suficiente para producir obras de al menos cierto nivel que se empeñan en venderse o malgastarse, o algún hype de turno.

01 Green Day - 21st Century Breakdown.

Por si el mundo no hubiera tenido suficiente con su anterior bodrío mediático "American Idiot" (y sus cúspides "Boulevard of Broken Dreams" un apestoso título para una apestosa canción a base de tópicos sobre la soledad, plagada de irritantes arreglos mainstream, y la letal "Wake Me Up When September Ends", hilarante baladita adolescente más algodonosa que toda la industria azucarera mundial), los tios van y se descuelgan con otra ópera rock, reciclando descaradamente las estructuras patentadas por Townsend hace ya 4 décadas ( en "Before the lobotomy" por ejemplo), con por supuesto, muchísimo menos talento, gracia, rock, y arte que el modelo original.

Anunciado ni más ni menos como "un disco duro de ideales punk", la morralla que sueltan los Green Day a lo largo de los tres "actos" es sin embargo tan inofensiva como la abuela Genobeva hasta el culo de Valium 100, un rock barato surtído de préstamos y clichés que revienta continuamente las melodias de los Cheap Trick, incluso CALCA en un tema los acordes de "Hindu times" de Oasis.

Qué lejos estan los tiempos de "Dookie" y su arrebatador vigor juvenil.
.

02 Julian Casablancas - Phrazes For The Young.

Verdaderamente insoportable la monodia del amigo Casablancas, el mismo soniquete sobrevolando por cada canción del disco, un compendio de lo peor de la radio ochentera que tantos momentos de pesadilla propagó por las ondas. Escuchando este disco queda claro que The Strokes (de los que se puede decir de todo pero al menos han provocado que cientos de jovencitos se hayan encerrado en un garage para montar una banda) son un grupo menos malo cuando la influencia negativa de este egomaníaco queda dispersada por las otras corrientes internas. Ahora sabemos de donde sale el irritante toque Giorgio Moroder de los Strokes.

También le ha dado por cultivar una imagen entre homo siglo XXI y bohemio, que así de entrada pega muy poco con el pastiche pseudocultural que ha endosado al respetable. En fin, música para fashion victims y la gente de siempre que quiere pasar por estar a la última, aunque lo último sea poner su pene a remojo en ácido vitriólico.

03 Bruce Springsteen - Working On A Dream.

Leí en la edición americana de "Rolling Stone" que este disco era comparable a "Born to run" en ambición y grandeza, pero aquí falla algo Watson. De un tipo que se permite el lujo de no publicar canciones de la talla de "My love will not let you down" (de hecho superior al 95% de su discografía editada) hasta casi un par de décadas después de su grabación hay que esperar el máximo, y no el gato por liebre. En lugar de "Thunder road" el rockero oficial de Catalunya se descuelga por la pendiente y sin frenos en momentos como "Life itself" o "Kingdom of days", dignos de haber figurado en el cagarro infumable "Tunnel of love". Aquí había material, no obstante, para haber publicado un disco de resurrección, pero todo está a medias, unos arreglos bastante mejorables, la energia de la E Street contenida en demasía, momentos de autocomplacencia que impiden que el rock ruja con fuerza... hasta la casi constante evocación a Roy Orbison queda deslucida. Esas letras... podrían redondearse también..cojones!

Nunca pude con el Bruce posterior al 85, hasta que los conciertos del Madison Square Garden del 2001 me noquearon, total hair raising... a ver que mortal no sucumbió a la tripleta de inicio "My love will not let you down" - "Prove it all night" - "Two hearts", encadenadas una tras la otra, que fuerza y que grandeza!. Desde entonces estoy esperando "ese" disco que algún dia tendrá que llegar, no? El tio puede hacerlo!

04 Iggy Pop - Preliminaires

El gran Iggy se presentó en el 2009 con un experimento de inspiración francesa, todo ese rollo de París en la niebla, Montand, feuilles mortes, decadence, soft jazz etc. El disco no es para tirarlo a la basura, pero esta colección de música ambient dificilmente puede escapar al adjetivo de anecdótica. La segunda y tercera escuchas son más duras, porque el tedio hace su aparición y va minando la paciencia poco a poco.

Un disco fallido, lamentablemente. Obvimante no hay nada que reprochar cuando un personaje como Iggy Pop decide experimentar, abandonar los decibelios y juntarse con tipos completamente ajenos al mundo de la Iguana de Detroit. La grabación está en un punto extraño, cerca de haber transitado por vias interesantes, pero lo único cierto es que "Preliminaires" no tiene digamos "espiritu" y el disco se mueve en general por una especie de limbo. Al menos si que hay un tema que huele a grande: "I want to go to the beach" (de inmediato acuden a la cabeza Lou Reed, Berlín y Bowie). Los momentos más "iggy", por otra parte, abundan en la sensación de cliché, y las versiones en francés son lo peor con diferencia. Vamos, señor Ostenberg, usted puede hacerlo mucho mejor.

Muse - The Resitance.

Para mi siempre será un misterio el hecho de que esta banda haya alcanzado relativas cotas de respeto y popularidad, incluso Jools Holland los invita a su programa. Otra cosa que permanece fuera de mi comprensión es que al tipo que canta y toca, Mathew Bellamy, le publiquen entrevistas en revistas especializadas para guitarristas en base a los gadgets que le mete a sus guitarras. Y digo que no lo entiendo porque cualquier mocoso toca con más garra y estilo y de verdad que no hace falta tanta mierda para acabar tocando lo que acabamos oyendo en nuestras casas.

Desde el principio, Muse me ha parecido un grupo bastante limitado de ideas y de personalidad, un recachutado barato de lo peor de Manic Street Preachers y Radiohead, con el añadido de la poca naturalidad de la que hacen gala, y su desmedido gusto por la pose y el gesto apocalíptico (esas caras de estreñimiento!). La sensación se confirma al 100% con su disco de 2009, "The Resistance", de un aburrimiento mesiánico absolutamente letal.

No se que más decir de estos notas, solo desearles que les vaya bien. Y que traten de poner algo más de contenido en las letras, por ejemplo. Ah, y otra cosa, Sr. Bellamy... los sneakers de tacón alto solo le quedan bien a los Faces, mamón, y a estos zapatos se les canta así!

The Buzzcocks - Singles Goin´ Steady

2009-12-12T23:15:00.006+01:00

He aquí a una banda de verdad. Únicos, inimitables, lo suficientemente fugaces para haber evitado arder hasta consumirse, y al mismo tiempo lo suficientemente duraderos para haber creado algunas de las mejores canciones que mis oidos han tenido el privilegio de escuchar. The Buzzcocks, el pequeño grupo de rock´n´roll cuya imagen decoró durante un tiempo la cabecera de este blog, habitan en mi corazón desde el mismo momento en que me topé con “Ever fallen in love”... justo lo que quería escuchar, lo único capaz de calmar mi ansia adolescente de emociones puras en el filo de la navaja. Arrebato visceral y sentido, al final la canción se evapora en el aire tras una tormenta de emociones eléctricas... dios, que grandes.

Claramente por encima de etiquetas, esta banda ha dejado un puñado de canciones tan buenas como se puedan escribir, o al menos es la apreciación personal que tengo sobre los de Manchester. No se, siempre he sentido debilidad por bandas como los Buzzcocks, capaces de hacer ese tipo de aquitectura sencilla pero impactante, que te toca dentro de esa manera diferente, algo que ninguna gran estrella de la música puede conseguir.

Como leí una vez en alguna revista, esta es una de esas escasas recopilaciones con entidad propia. Me apropio de esta afirmación porque da en la diana de manera certera y al primer intento: en ningún momento te da la sensación de escuchar refritos, grandes éxitos o inconexos momentos estelares, el artefacto sobrevive fresco como una lechuga a través de los años. Inútil resaltar canciones por encima de otras, a esto hay que ponerle la aguja encima y punto.

160

Randy Newman "12 Songs"

2009-12-12T14:41:00.003+01:00

“Tengo la frustración de no haber compuesto el himno nacional de Albania: un país con más cabras que personas me hubiera inspirado una obra maestra”. Randy Newman dixit, genio y figurón inclasificable, incorruptible, incorrupto, incandescente. Las revistas musicales llenan páginas con el nuevo hype de turno mientras este hombrecillo navega desde hace décadas a través de la más pura ignorancia mediática... ninguna novedad, desgraciadamente. Otras luminarias del digamos underground han sufrido antes esta situación, pero puede que el señor Newman hasta la haya disfrutado.

¿Quién demonios es Randy Newman? Desde luego, no un cualquiera. No es Leonard Cohen, pero es mucho más divertido sin ser insustancial... no es Warren Zevon ni J. J. Cale pero se llevaría de puta madre con ellos... veamos... tampoco es Bob Dylan, pero a cambio está a salvo de falsos adoradores y gacetilleros sin que ello le impida componer monumentos a la música y a la palabra. Ya de coña, podríamos decir que no es Axl Rose, con lo cual no ha tenido que cambiarse de vestuario durante “Civil War”, pero está igual de chiflado!. Randy Newman es, pues, Randy Newman.

Este "12 songs" es tan bueno como al menos otros 4 discos de su discografía, en esta ocasión armado en torno a tres elementos básicos: su voz, su piano, y la guitarra de Ry Cooder. El título no engaña, y las doce piezas van yendo y viniendo como el que no quiere la cosa, una detrás de otra, algunas duran un suspiro, otras no, lo mismo la emprende con un blues que te deja literalmente pasmado y absorto con su versión de "Underneath the Harlem Moon". Y luego, aparte, las letras, que se merecerían un solo post... por favor que músico más grande.
159

Herbie Hancock - Maiden Voyage

2009-12-03T22:20:00.004+01:00

“Maiden Voyage” es bello, es bonito... es un disco hermoso. Llegué a Herbie Hancock porque leí en algún lado que estaba muy influido por Bill Evans, uno de los contados jazzmen que llevo escuchando con cierta asiduidad desde digamos siempre. Este asunto me hace reflexionar sobre el hecho de que muchas veces uno descubre verdaderas maravillas por el simple hecho de ser curioso durante un minuto de su vida, o por tomarse la molestia de seguir una intuición.

Casi todos los discos del jazz moderno son de alguna forma “conceptuales”, bien de manera inconsciente porque los autores le estén dando vueltas a una idea, o bien de manera totalmente premeditada. El quinteto de Herbie despliega una premeditación inconsciente a la que resulta muy difícil resistirse, encima los señores tocan como los ángeles y todo el asunto raya en la perfección: los tempos, los cambios, los solos, las texturas y los timbres, el feeling, todo acojonante, con el océano y el mar abierto de fondo e inspiración, un viaje por el líquido elemento en sus versiones de calma y tempestad.

Tengo esta grabación en la categoría de aquellas que me gustan más cada vez que las escucho, como esos discos de J. J. Cale... en fin, ya me entendéis. Supongo que es por su equilibrio entre un jazz lírico y "accesible" y los recovecos del hard bop, como ninguno predomina siempre suena fresco y con toneladas de matices. Vaya discazo que se sacaron de la manga estos granujas.

158

John Coltrane - Blue Train

2009-12-02T21:50:00.004+01:00

La historia del jazz tumba por si sola cualquier teoría acerca de la superioridad racial blanca, y la discografía de John Coltrane en particular es una de las pruebas definitivas. El tipo tenia tanto jazz en las venas que hay que ir tomando su música en dosis, despacio, poco a poco, de lo contrario se corre el riesgo de quedar sobrepasado por el artista. Eso si, una vez que el veneno está inoculado, la adicción al señor Trane no tiene vuelta atrás sino escape hacia adelante, directo a consumir avidamente todo lo que dejó grabado este buen hombre.

Autor de INCUESTIONABLES obras capitales de la música como “Giant steps”, “A love supreme” y éste “Blue train”, John Coltrane es un fascinante sujeto que vivió en primera persona el nacimiento del jazz moderno y el reinado del bebop, mientras iba armando junto a otros compañeros de generación un lenguaje musical tan contundente como avanzado, profundo y absolutamente genial, el hard bop, para acabar construyendo su propio e inimitable mundo sonoro. Moderno en todo momento sin necesidad de tocar 200 notas y 50 florituras disonantes por segundo, al máximo de musicalidad y expresión.

Bien, no se si a los que soléis pasar por aquí os llama la atención todo este asunto, yo fui cayendo poco a poco, un año con dos o tres discos, otro con uno y otro con ninguno, no tengo más de 70 discos de este estilo... pero vaya si me gusta. Coño, es que es un verdadero placer coger un buen vinilo de jazz y ponerle la aguja encima... escuchar como el aire se inunda de música, como se impone en cada nota esa clase descomunal, por no hablar de la pasmante destreza instrumental. “Blue train”... qué grande. Joder, qué grande, desde el puto primer segundo con ese inmortal tema de introducción. El éxtasis.

157

Bill Evans Trio - Waltz For Debby

2009-12-01T22:41:00.006+01:00

Junto a Bud Powell y Herbie Hancock, mi pianista preferido. La vertiente blanca del jazz, su componente europeo, aflora con claridad en las teclas de Bill Evans, y a pesar de sus ritmos bastantes complejos es acojonante lo bonita y fluida que es la música del primer trio realmente sólido e innovador del jazz. Con Davis grabó el capital "Kind of blue", donde hizo un trabajo impecable junto al astuto trompetista.

Grabado en vivo durante el último día de contrato con el club Village Vanguard de New York, "Waltz for Debby" es uno de esos clásicos de toda la vida, por encima del bien y del mal, un espejo donde se han mirado varias generaciones de músicos y seguro que lo seguirán haciendo. La recreación del tema "Milestones" es un jodido hit, los cabrones se salen.

Este trio mágico, se desharía solo diez días después de este show por culpa de un hachazo del destino: el contrabajista de 25 años Scott La Faro fallecía a causa de un accidente de automóvil, dando al traste con una carrera que prometía cotas de gran altura. Evans, impactado emocionalmente, no encontró nunca un sustituto a la altura del finado aunque antes de su propia desaparición (a causa de la adicción a la heroína y la cocaína) dejo tremendas obras para piano solo, como "Conversations With Myself", de obligada escucha.
156

Jimmy Smith - The Sermon!

2009-11-29T00:13:00.004+01:00

Diablos, un disco más grande que la puta vida. Hay que agradecer al combo Don Gardner And His Sonotones que pusiera a disposición del ex- niño prodigio Jimmy Smith un ejemplar de órgano Hammond B3 desde el primer día que pisó el local de ensayo. Cuando el chaval decidió volar en solitario, se las apañó de maravillas para incorporar el sonido y el groove del órgano al jazz de los últimos 50´s y primeros 60´s.

"The Sermon" es el típico disco de jazz que trasciende a su público natural, es fácil encontrarlo en cualquier discoteca de aficionados al blues, funk, rock´n´roll o simplemente a al música, y las razones son bastante obvias: Smith, Lee Morgan (cada día que pasa me gusta mas!), Curtis Fuller, Kenny Burrell, Tina Brooks, Eddi McFadden, Art Blakey (un dios!) y algún otro improvisando juntos, gloria bendita, maná celestial, esencias que se destapan atrapadas por el milagro del registro del sonido.

La sutileza en los cambios milimétricos de ritmo cada vez que los solistas se van turnando me sigue poniendo el vello de punta, especialmente en "Flamingo", memorable melodía del primer solista y memorable respuesta del resto de la banda. Y ahí, siempre presentes, las teclas del Sr. Smith, pura perfección sonora. El disco tiene tres temas que pasan volando, y eso que su duración es bastante respetable... alrededor de 20 minutos para el título homónimo!

Nunca tuve pensado poner jazz en mi blog, pero creo que voy a soltar otros dos o tres high numbers particulares por aquí, ¿por qué no?

155

B. B. King - Completely Well

2009-11-16T22:29:00.006+01:00

El éxito ha sonreido a Blues Boy King, quizás el único bluesman habitual en los medios desde la época dorada hasta nuestros días, lo mismo te lo encuentras en el domincal de La Vanguardia que en la cortinilla final del telediario de Matias Prats Jr. El 90% de la población mundial, al oir la palabra "blues" piensa en un orondo cantante negro a los mandos de una guitarra llamada "Lucille". Grammys y números uno, duetos, festivales, más duetos... sobre-exposición... pero como el mismo diria: "Alguien tiene que hacerlo, diablos!!"

Este trabajador incansable del blues sufre el estigma de ser el famoso y de no haber terminado sus días como músico en algún lugar olvidado de la mano de dios. Vamos, que no es cool... como si el tuviera la culpa, caramba. Escuchad este disco, escuchad a un tipo en la cima de su poderío vocal, escuchad cómo se toca la guitarra de blues y como debe sonar un disco: el nivel técnico de esta grabación es portentoso, tanto por parte de los músicos como por los ingenieros.

No creo que B.B. sea el rey del blues, más que nada porque estoy convencido que el rey del blues es el blues mismo, sus tumbas anónimas y sus tumbas de relumbrón, cualquier vieja guitarra en una casa de empeños o cualquier cabaña a la orilla del Mississippi. Inmemorial e inmortal en si mismo, como los números que se desgranan a lo largo de "Completely Well" : la contagiosa tonada incial, "So excited", el blues de texas en "You´re losin me", un imperturbable "Confessin´the blues", la chuleria sarcástica de "Cryin won´t help you now" y por supuesto la joya del disco, la increible y conmovedora "The thrill is gone"...

"La emoción se ha ido / la emoción se ha ido, muy lejos de mi... nena/Aunque siga estando vivo / se que estaré muy solo..." insuperable.

154

Jason & The Scorchers - Lost And Found

2009-11-15T16:52:00.004+01:00

Fusionar punk rock con honky tonk y country puede no resultar una muy buena idea asi, de primeras. Y más en mitad del mismísimo Nashville, Tennessee, a tiro de botella y patada en los huevos de miles de puristas que inundaban los clubes y sótanos donde la banda de Jason Ringenberg se fogueaba al inicio de su carrera allá por 1984. De la experiencia salieron vivos y coleando, y no por casualidad: tenian la actitud, la fuerza vital, un cantante desmadrado y un guitarrista lo suficientemente definitivo y talentoso como para tocar con alma un jubiloso hard-punk-rock impregnado de tradición country sin resultar un jodido mamón.

Si, luego han venido muchos reinventando la pólvora con mayor o menor fortuna (con Supersuckers a la cabeza, todavía mis ojos no han visto los dos nombres escritos juntos en la clarividente prensa española...) pero amigos, sólo unos tipos llamados Jason And The Scorchers nos legaron para la posteridad los primeros trallazos del asunto, "White lies", "If money talks" o "Change the tune" enlatadas junto a bonitas melodias country como "Far behind".

Jason y sus muchachos esperaron algunos años al productor que los hiciera grandes, pero este nunca llegó. Parece que su rabia, sus conciertos incendiarios y el magnetismo del cantante y del guitarrista no fueron suficiente para que algún tipo dotado para los controles se fijara en ellos, con la consecuencia que el grupo nunca explotó su tremendo potencial. Desde luego siguen vivos para muchos tipos como yo, en mi caso jamás olvidaré además mis primerizas escapadas adolescentes y nocturnas mientras atronaba este disco en nuestro pub favorito. Los Scorchers tienen el honor, junto a Jimi Hendrix, de haber facturado de lejos las mejores versiones sobre temas de Bob Dylan, y si no me creeis meterle mano a este soberbio "Absolutely Sweet Marie" que nos dejaron para la posteridad. Ese "Where are you tonight ?!!" no tiene precio !!!

153

Big Boss Man - Humanize

2009-11-15T09:06:00.006+01:00

And the winner is... Big Boss Man, una banda inapelable, los amos de un concepto cuasi extraño en nuestros días: hammond desatado, heavy soul, beat, funk, algo de boogaloo y latin, algo de fuzz y algo de espíritu Mose Allison... explosivos shows, tormentas de groove que se abaten sobre la audiencia, rituales que devuelven a la vida, en todo su esplendor, sonidos que un puñado de fieles alrededor del mundo se resisten a enterrar.

Al servicio de celebraciones tan antiguas como la propia humanidad, esta música de ritmo hipnótico e inicíatico incita a abandonarse a la danza y al hedonismo, al placer y a la sensualidad.
El primer disco de la banda del señor Nasser Bouzida es hasta la fecha el más potente y descarnado, sin perder cierta sofistificación, inevitable por otra parte teniendo en cuenta la técnica maestra de este amo de los teclados.

Creo que todo lo que podéis encontrar por aquí ya está explicado, ahora dejad que las palabras se hagan sonido, conectad vuestro reproductor, subid el volumen y dejad que "Humanize" se haga presente, dejad que esta música imperecedera os proporcione un fantástico y soleado día de domingo, o un mágico tiempo nocturno según sea el caso.
152

Cinnamon Girl

2009-11-08T11:12:00.002+01:00

Seguro que como yo, muchos de vosotros habéis pasado noches enteras soñando películas o atrapando la luz de la luna junto a alguien, incluso es posible que diez saxofones de plata y un bajista con pajarita estuviesen por ahí, encadenando hermosas melodias. Seguro que entonces, en algún momento, deseastéis pasar el resto de vuestra vida con ella, o con él.

Demasiado pronto, demasiado, se ha ida una de las nuestras....

,,,

I wanna live with a cinnamon girl / I could be happy the rest of my life

With a cinnamon girl.

A dreamer of pictures I run in the night / You see us together,chasing the moonlight,

My cinnamon girl.

Ten silver saxes, a bass with a bow / The drummer relaxesand waits between shows

For his cinnamon girl.
A dreamer of pictures I run in the night / You see us together,chasing the moonlight,

My cinnamon girl.

Pa sent me money now

I'm gonna make it somehow

I need another chance

You see your baby loves to dance

Yeah...yeah...yeah.

V/A - Up On The Beat

2009-10-26T22:31:00.004+01:00

Hoy regresaba del trabajo escuchando esta compilación de la KENT y me he dado cuenta de que apenas hay soul en mi blog, y diablos, es una música que me hace perder la cabeza! Adoro este sonido dulce, lúdico, lúbrico, vital y apolíneo, ideal para bailar hasta el amanecer, ideal también para alimentar los más dulces anhelos.

El invento se coció durante una era de pura magia, que elevó a la música a niveles a los que quizás no vuelva. Es increíble todo lo que sucedió cada año de la década de los 60´s, la cantidad de músicos inspirados y obras maestras que dio cada mes de cada puto año, o como cambiaba el panorama de 1966 al 67, por ejemplo. Y el soul no fue una excepción, amigos.

Como típica compilación kentiana, este "Up on the beat" contiene un poco de todo, con el común denominador del práctico desconocimiento que tiene la humanidad de casi toda la plana de artistas que se dan cita en sus surcos. No faltan las clásicas píldoras soul rompe-piernas, en este caso a cargo de Herb Johnson y su "I´m so glad" y el matador, letal "I´ll bet you" de Billy Butler; tenemos la clase suprema de las voces femeninas de Emma Franklin en "Gotta find me a lover" y la inicial y fantástica "Shing-a-ling" de las Cooperattes, el soul sofisticado de Demures en "Raining teardrops", un par de fantásticos números de Jackie Wilson e incluso un instrumental ensoñador de aupa, "California Montage", a la mayor gloria de Young-Holt Unlimited. Y mucho más.

151

OWL - Of Wondrous Legend

2009-10-24T07:32:00.004+02:00

Stephen Titra fundó la banda O.W.L. en el Chicago del año 1968 después de abandonar a la jam-band Mountain Bus, pero no fue hasta el año 1971 que decidieron meterse en el estudio. A lo largo de 6 meses fueron haciendo un impecable trabajo de orfebrería folkie, de tintes ácidos y barroquizantes. Las copias de test que se editaron causaron una profunda impresión en todo aquel que las escuchó y sin embargo ninguna compañía decidió editar el disco.

Tuvieron que pasar ni más ni menos que 35 largos años hasta que alguien encontró una de estas copias en un cajón de una tienda de empeños de la misma ciudad, y tras una brillante remasterización, rescató esta obra maestra de su terrible condena. El catálogo de músicas que destila Titra van desde antiquísimos sones renacentistas hasta el folk británico más místico, estableciendo bastantes puntos en común con Pearls Before Swine, grupo venerado en esta casa.

Este disco me lo encontré dando un paseo por The Lake Band, recomendadísimo hogar de los amigos Resba & Cacu, plagado de buen gusto y obras maestras, donde hemos coincidimos con bastantes bandas y albums. Ahora que la climatología invita al recogimiento, es un momento perfecto para escuchar con calma esta gema, y apreciar en toda su extensión la segunda vida que el destinó ha deparado para maravillosas piezas como "Be alive", "Dawn of Albion", "Renaissance and rococo" o "Salvation blues".
150

Les Baxter - Hell´s Belles Soundtrack

2009-10-22T21:53:00.008+02:00

" Hell´s Belles" es sin duda una de las definitvas bandas sonoras que se han grabado nunca, y Les Baxter uno de los grandes del oficio imitado tantas veces que necesitariamos una calculadora atómica para llevar la cuenta. Capaz de componer unas alucinantes suites orquestales por la mañana, escribir por la tarde el score de "El Péndulo de la Muerte" para Roger Corman, y por la noche dedicarse a la música de toda una peli de bikers satánicos drogados... maldición!

Este disco es solo una pequeñísima muestra de la capacidad musical del señor Baxter, si uno se sumerge en su obra puede llegar al éxtasis del lounge y el exotismo, del soul-funk y casi de cualquier cosa que tocaran las manos de este fenómeno, un compositor producto de la era de las Big Bands que supo adaptarse como pocos al lenguaje cinematográfico

Este score, por si mismo, define toda la fanfarria sonora propia de las pelis de blaxpoitation, Serie-B o llámelo usted como quiera, con la diferencia de que este es el producto original y natural, de propiedades alquímicas y de dimensiones homéricas. En mi casa ha dormido siempre junto a mis favoritos del género, "Vampyros Lesbos", "Wild Angels" y las obras maestras de Schifrin y Mancini. No lo olvidéis, la vida puede ser maravillosa !

149